Hebdomadario

Hacer teatro en Coatzacoalcos

2012-01-28T00:01:00.000-08:00

♠ Desde la trinchera urbana

El arte es un té amargo después de un buen susto, es la catástrofe y la gloria, es el sacrificio y la redención, el buen y mal gusto, la vida y la muerte, es David contra Goliat. Se tiene al arte siempre en un mal concepto, pero la vida no es un concepto. Recuerdo un capítulo de una serie de Alfred Hitchcock, donde un hombre pasaba todos los días mirando un cuadro hasta que, un día, lo persiguen para matarlo y, en el escape, llega al museo, mira la pintura y desaparece en ella. En la pintura hay un hombre en un lago pescando en su bote. Así es el arte. Su belleza puede ser adictiva.

El camino del arte es arduo y sinuoso pero, como decía Musashi, todo viene de ti. La gente siempre quiere hacer algo, y Coatzacoalcos es un lugar perfecto para que haya algo que hacer el fin de semana. El teatro es un tema difícil para muchos pues, además de que suele ser caro y desafortunadamente mal hecho, esto desgraciadamente ha causado que miles piensen: “¡Qué güeva ir al teatro!”. Además se puede decir todo de él, pero tampoco hay nada que decir. Así es el arte, un todo y un nada. Es la misma razón por la que el panorama de ésta ciudad que quiero tanto, con respecto a la situación teatral, me hace pensar que es óptima.

La obra “El Evangelio de Quetzalcóatl” seguirá presentándose y cada vez vendrá más gente. Es la historia del dios, que dio origen al nombre de nuestra ciudad, contada de una manera espectacular. Al encuestar a la gente todos dicen que sí volverían a verla, entonces, ¿qué onda con la chamba? Logramos un trabajo para toda la vida, pues Coatzacoalcos estará aquí por muchos años y todas las generaciones querrán conocer la historia de éste avatar, y esto es igual a chamba para toda la vida. ¿O alguien me va a jubilar? Queremos chambear siempre y en lo que nos gusta.

El teatro es un sueño vivido que, si está hecho con el corazón, te atrapa para siempre. Es medicina espiritual. Tenemos un par de teatros en Coatzacoalcos y estoy seguro de que ambos queremos que la gente nos visite y, para eso, ¿qué mejor que tener un buen espectáculo? El mejor pan es el del panadero y el arte en general “no deja” o “te mueres de hambre”, me decía un conocido y muchos más hace poco. Sin embargo hay quienes dicen que sí deja pero que hay que darle mucho. Yo me pregunto, ¿qué profesión no deja mejor cosecha después de varios años de dedicarte a ella? Entonces, ¿qué sucede?

Te lleva toda la vida hacer arte. Una cosa te lleva a la otra, en una espiral en ascenso y descenso que sólo termina con la muerte (para el verdadero artista, pues así como cualquier otra profesión hay que dedicarle todo el empeño y el tiempo). Existen muchas personas por aquí que desean desarrollar su talento, que tienen fuerza suficiente en el corazón para lograrlo y permanecer en este arduo camino. Me decía mi maestro que no importara que tuvieras que lavar baños durante un año si lo que quieres es juntar dinero para casarte, entonces qué importa hacerlo para hacer una obra teatral, o un concierto de rock o nuestro sueño. Al fin y al cabo, ¿qué es la vida?, un parpadeo tengo 20. Otro, tengo 30 años. La vida es un sueño mis amigos. Un sueño corto. Por un Coatzacoalcos más culto. Contacto: bicho1781@hotmail.com, o al celular: 921 15 43338. (David Aguirre Pavón, director teatral, Foto: Mario Sepülveda)

Taqui The Queenz

2012-01-21T00:01:00.000-08:00

♠ La expresividad del grafiti

“Llámame Taqui.” Así comienza una charla con una de las cabezas visibles del movimiento grafitero en Coatzacoalcos. La primera entrevista que se hace pública en un medio de información en la región, por cierto. La primera que se hace desde un punto de vista artístico, claro. Taqui, quien pertenece al crew (grupo) The Queenz integrado en su totalidad por chavas, narra sus experiencias, se descubre como un ser humano lleno de inquietudes artísticas, aunque ávida de aprendizaje y plena de planes para el futuro.

“Desde niña me gusta dibujar. Comencé a grafitear cuando estaba en la secundaria, claro, de manera ilegal. Eso me trajo broncas con la policía.”, cuenta Taqui. “Mis papás, obvio, no aprobaron que yo me dedicara a eso, entonces me fui a vivir a Villahermosa, donde hay un movimiento muy fuerte de grafiti y no hay ningún problema con la ley.” Gracias al internet, ésta talentosa joven, se relaciona con el grupo de artistas urbanos de la capital tabasqueña y descubre que lo suyo son los dibujos, no las letras. Allá fue su primer encuentro con el grafiti legal, “ahora prefiero pedir permiso y hacer un buen trabajo”, comenta.

A su regreso a Coatzacoalcos, siendo aún una adolescente, ya contaba con varias exposiciones en su currículum y muchos metros cuadrados de barda. “Volví a tener problemas con la ley, pero ahora se me acusaba de un delito federal. Me ficharon y me impusieron una elevada fianza que, afortunadamente, logré pagar gracias a mis amigos que son muchos.” Eso hizo que le prometiera a su madre no volver a pintar de manera ilegal, por lo cual comienza a asistir a varias exposiciones locales. Y admite orgullosa: “ahora hasta me salen trabajos.”

“Antes pensaba: ¿cómo puedo gastar 500 pesos en aerosoles si puedo irme a comprar unas chelas o salir a cotorrear? Hoy veo que es mejor invertirlo en algo que me beneficia, porque mi trabajo va a perdurar.” En el camino de la expresión, que muchos no aceptan al desviarse por distractores que nada contribuyen al ser humano, a Taqui le trae resultados: “ahora mis papás me apoyan”. Además ha formado una sociedad con tres personas para poner un local de grafiti: “Venderemos pinturas. Esto para que la gente de Coatzacoalcos vea cosas que se pintan aquí, que no sea un cuadro que trajeron de China. Así obtendremos más apoyo.”

Y hay planes: “Necesitamos más espacios para pintar, quiero hacer una expo de mujeres próximamente.” La manifestación artística de Taqui The Queenz debe tomarse con seriedad: “El grafiti es una manera de expresarme, lo que pinto siempre es referente a algo, a veces a cómo me siento. Es igual al alcohólico que va a beber, así se le olvida todo. Yo pinto. Siempre voy a pintar hasta que me quede sin dedos”, concluye. (Entrevistó y fotografió: Mario Sepülveda)

¿Se acaba el mundo en el 2012?

2012-01-14T00:02:00.000-08:00

Hay muchas cosas para las que no tengo respuesta. Por ejemplo, exactamente cómo es que estamos aquí, o cuándo dejaremos de estar aquí, prefiero creer que depende de nosotros y de nuestra capacidad de entender nuestra evolución y la evolución tecnológica. ¿Y cómo es nuestra evolución? Es maravillosamente compleja pero podemos sintetizarla en algunas características: es omnipresente, se encuentra en cada pedazo del planeta que habitamos; es especializada, cada ser vivo tiene detrás un proceso de evolución que lo lleva a especializarse en ciertas habilidades; es diversa, la socialización del proceso evolutivo abre oportunidades para diferentes opciones.

Vista así nuestra evolución es muy similar a la tecnológica, pero lo más importante es que ambas se desarrollan de manera exponencial, y esto hace que su crecimiento sea acelerado y desmedido. Si sabemos cuál es la tendencia de ambas evoluciones, resultado del estudio de su comportamiento, entonces podemos jugar a predecir el futuro, no detalles, pero sí en general cuál es el futuro de la humanidad y el planeta. Debemos tomar en cuenta que el espacio habitable va a llegar a ser insuficiente, y que la pobreza extrema y los cinturones de miseria tienden a crecer, también, de manera exponencial provocados en parte por la sobrepoblación.

Entonces, el escenario no pinta nada bien. Un futuro donde pocos gocen de avances tecnológicos que les permitan extender sus vidas sin disminuir en calidad, rodeados de millones de pobres, con una calidad de vida tan mala y una expectativa de vida tan corta, que no les importe matar por conseguir un pedazo de pan o agua potable. Esto en un espacio contaminado y escaso de recursos naturales vitales a los que tendrán acceso unos cuantos. El escenario da más miedo que las profecías mayas, cristianas o marcianas.

La solución ante una problemática así no puede ser otra que la consciencia del otro, entender que somos parte de un todo. Utilizar la tecnología, la creatividad y la innovación para solucionar problemas que impacten a un mayor número de personas, dejar de pensar que somos genios (eso nos gusta mucho a los artistas) o seres especiales (eso les gusta mucho a los fanáticos) y entender que somos seres sociales. Que la única individualidad de la que debemos gozar es encontrar para qué somos realmente buenos y poner esa habilidad al servicio de la sociedad.

Afortunadamente no soy la única que piensa así, esta reflexión es el resultado de la investigación sobre cuáles son las tendencias en el mundo de los creativos y a qué se deben. Para concluir puedo asegurarles que: Cambian las reglas del juego para el arte, el diseño y la creatividad se pone al servicio de la sociedad. El creativo más cotizado será el que pueda hacer un poco de todo a pesar de su especialización y haga uso consciente de la tecnología. (Hildegart Oloarte, www.hildegart.com)

Generalidades sobre la cultura y las artes en Coatzacoalcos

2012-01-14T00:01:00.000-08:00

♠ Texto ganador del 1er Arcón Navideño Hebdomadario 2011

Una aproximación inmediata a la definición de cultura esbozaría al hombre como arquitecto de la misma y, a toda su obra, material e inmaterial, como la ilustración propia del concepto en cuestión. Por lo tanto, la cultura es todo lo realizado por el hombre a través del tiempo y del espacio. La cultura es inherente a la voluntad humana, consciente o inconscientemente el hombre hace construcción y uso de ella. Todos los pueblos del mundo, sin importar su marginación, o sus altos o bajos grados de alfabetización, cuentan con una cultura propia plasmada en su historia y en su devenir. Coatzacoalcos no es la excepción.

En ésta ciudad la cultura se esconde y agoniza en un trágico transcurrir del tiempo ligado a las administraciones municipales que van y vienen, sin prestarle atención ni respeto. Posiblemente el problema radique en la escasa importancia que ésta tiene para los funcionarios públicos pero, realmente, el problema estriba en la importancia que la cultura tiene para los ciudadanos. Nosotros, los ciudadanos, somos quienes debemos propagarla y hacerla nuestra por todos los medios viables apropiándonos de los espacios disponibles y, ¿por qué no?, de los que no lo estén. La cultura es nuestra identidad y estandarte, lo que nos hace coatzacoalqueños, veracruzanos, mexicanos y sobre todo seres humanos.

Coatzacoalcos es un punto de convergencia cultural privilegiado debido a su influencia industrial, pero hacemos caso omiso de lo que nos identifica del resto del mundo globalizado. Es ahí donde las instituciones municipales deben poner manos a la obra, realizar eventos abiertos al alcance de todos los estratos sociales, y no en salones o teatros destinados a unos pocos. Por otro lado, el arte como expresión es el espíritu revelador que nos muestra el grado de sensibilidad que tiene un pueblo, es la cuchilla más aguda para atacar la frívola y violenta realidad que vivimos. Un pueblo sin arte es un pueblo que se niega a ver la realidad humana desde una perspectiva más allá de lo cotidiano.

Las artes, en Coatzacoalcos, han sido relegadas o confinadas a espacios realmente limitados; es una ciudad que crece a pasos agigantados, pero también es cierto que dicho crecimiento está dejando a un lado las manifestaciones artísticas más elementales. Es una pena que no haya galerías al alcance de todos, que compartan la majestuosidad de las expresiones artísticas locales, regionales y nacionales. ¿Coatzacoalcos es un pueblo que ha sido olvidado por las artes? o ¿las artes han sido olvidadas por nuestro pueblo? Sensibilicemos a nuestro puerto con arte de calidad, un arte que nos haga sentir y pensar. (Jesús Armando Pavón Gallardo)

Los artistas opinan

2012-01-07T00:01:00.000-08:00

♠ Arte en 2012

"Nosotros creemos que la cultura de aprecio por el diseño en México, más aún, en Veracruz no existe. Sin embargo han comenzado ya a surgir jóvenes emprendedores que están dispuestos a fomentarla. En 2012 se espera mucho trabajo para que la palabra ‘diseño’ llegue a oídos de la gente local, no como un gasto o un lujo, sino como una inversión. Todo lo que nos rodea es diseño, desde una casa o un auto, hasta el calzado o ropa que usamos. Es tarea de los que estamos aquí empezar a difundir el significado de la palabra diseño durante este año, más allá del ‘atacazo artístico’, del talento sin preparación. Que la gente sepa que existen profesionistas y demás gente que no sólo poseen grandes talentos, sino que han invertido su tiempo y esfuerzo en prepararse, seguir aprendiendo y ofrecer lo mejor." (Ariba & Abajo Galería, diseñadores)

"Para mí el 2012, referente al movimiento de arte, dependerá mucho de la respuesta de la sociedad hacia las propuestas de los creativos. A nivel local es un campo con dificultades de sustentarse debido a la falta de apoyos, llámese difusión, convocatorias, espacios propios, recursos o educación. Aún así, los artistas de Coatzacoalcos tenemos la tarea de crear estrategias para llamar al público a interesarse, a interactuar, ya sea en la creación o en el diálogo artístico. La parte optimista del año será conocer las nuevas propuestas de los artistas que, seguro, continuarán emergiendo." (Abi Amaya, pintora)

"Este año estará sumamente difícil en muchos aspectos, ya que la situación de nuestro país (sistema, forma de gobierno, etc) parece ser que está en decadencia. Me gusta mucho el cine y recomiendo mucho que la gente vea la nueva película del director Gerardo Naranjo, “Miss Bala”, me gusta recomendar éste tipo de películas para que la gente salga de su burbuja mental y se ponga las pilas en cuanto a ser más cuidadoso y a no ser tan confiado. A pesar que nuestro sistema de vida en nuestro país es muy triste, no queda más que seguir echándole ganas a lo que más nos gusta y hacer todo lo posible por ser felices esté como esté la situación." (Manuel Aguilar Rosaldo, actor)

"El 2011 fue un año que me ha dejado muchísimo, llegó mi hijo Zacek y junto con él, “La espada de los dos cielos” y “El evangelio de Quetzalcóatl”, además de presentar “Despierta ya” de Isabel Zepeda, y el sueño realizado de abrir un teatro aquí en mi ciudad natal. En enero retomaremos funciones del “Evangelio” y nos iremos de gira, además de que se abrirá la oportunidad de reclutar nuevos talentos en Teatro Urbano en otro casting que haremos para el nuevo proyecto que será una sorpresota. El 2012 estará lleno de mucho teatro y mucha esperanza y fe para la gente de Coatzacoalcos, que poco a poco le está abriendo el camino al arte. Quizá hasta podamos dar funciones en el Teatro de la Ciudad, otro sueño para nuestra compañía. ¡Por un Coatzacoalcos más culto!" (David Aguirre, director y actor de teatro)

"Veo muchas posibilidades de crecimiento para las artes y la cultura en Coatzacoalcos. He notado más interés por parte de los jóvenes, también varios artistas han llegado a la ciudad a radicar y han contagiado de entusiasmo a todos los que disfrutamos el arte. En cuanto a la fotografía, he visto nuevos talentos con muy buenas propuestas. Auguro que será un gran año." (Álvaro Balderas, fotógrafo)

"La estructura poética que se estuvo formando en todo el 2011 es muestra de que, la poesía, está en una crisis que no sólo los que estamos en el movimiento de crear una nueva cultura literaria deberíamos percatarnos. Tristemente así es. El reflejo está en que al día de hoy, al mencionar la palabra ‘poesía’, en un gran porcentaje de personas sólo se genera la imagen de Sabines o Paz; o peor aún, no se tiene un paradigma franco de ella. Esto se estuvo transformando al delinear el modelo de un mundo nuevo donde la poesía estuvo en las calles, al alcance de todos, generando un cambio a la actual violencia. El 2012 debe ser el año de la reafirmación: seguir reestructurando la poesía, no sólo en Coatzacoalcos sino en todo el país con la unión del colectivo con los de otros estados; consolidar el Encuentro Independiente y proponer nuevos; seguir publicando y hacer más accesible el acercamiento del libro-objeto a la gente; realizar talleres digitales para expandir el acercamiento, principalmente después de las intervenciones callejeras, en fraternización con los demás. Esto esperamos del 2012." (Jesús Gallegos, poeta)

"En cuanto a la escena cinematográfica local y regional esperamos el surgimiento de nuevos talentos. En el plano personal creo que será un año de preparación y mucho trabajo. El 2012 será un buen año para el cine jarocho sin duda." (Pepe Ochoa, cineasta)

"Hay muchas cosas para las que no tengo respuesta. Por ejemplo, exactamente cómo es que estamos aquí, me gusta creer que somos polvo de estrella; o cuándo dejaremos de estar aquí, prefiero creer que depende de nosotros y de nuestra capacidad de entender nuestra evolución y la evolución tecnológica. ¿Y cómo es nuestra evolución? Es maravillosamente compleja pero podemos jugar a sintetizarla en algunas características: es omnipresente, se encuentra en cada pedazo del planeta que habitamos; es especializada, cada ser vivo tiene detrás un proceso de evolución que lo lleva a especializarse en ciertas habilidades; es diversa, la socialización del proceso evolutivo abre oportunidades para diferentes opciones…" (Hildegart Oloarte, artista plástica. Texto resumido, léelo completo en el próximo número.)

"Muchos creemos que las puertas a las actividades culturales cada vez están más escasas, pero el compromiso que cada uno de los que nos ocupamos -o preocupamos- por mantener vigente ésta práctica, es simplemente evitar la idea equívoca que nos metimos hasta por los ojos: “A nadie le interesa la cultura, más que a mí”. Ya es hora de poner en marcha lo aprendido sin limitantes. Motivados siempre por la pasión, que nos identifica como grupo y nos separa de los demás. Para que el 2012 sea un año de armonía colectiva, no individualista como hemos visto en últimas fechas, y que cada expectativa o propósito se materialice en proyectos cumplidos. Mientras tanto nuestro trabajo es, y seguirá siendo, mantener la fe en lo que hacemos." (Dalia Nathaly Pastor, promotora cultural)

"Así como la vida de los aztecas estaba regida por un calendario y los diversos dioses presidían cada festividad, nosotros seguimos conservando la tradición de navidad y año nuevo, aunque hemos desvalorizado el principio que debe regir éstas fiestas, y es el sentido de hermandad, de ser generosos. El final de un año es dejar atrás todo lo que nos pese y, metafóricamente hablando, resurgir, reinventarnos, así como los soles en la cosmogonía de nuestros antepasados. El 2011 fue desfragmentarme en mil opciones, mil caminos, para tomar uno solo, con muchas vertientes; así son los proyectos que uno emprende: mil variantes, mil decisiones que tomar, todas importan, todas sirven, y la vida nos va guiando, a veces vertiginosamente, otras más lentas, pero al final llegamos a un camino. Fue un año duro porque no pude dejar de ver lo que sucede a mi alrededor, en mi país, en el mundo; la violencia, el egoísmo, pero también conociendo gente extraordinaria, personas con las que convivimos diariamente y que nos influyen positivamente y nos dan una perspectiva optimista de la vida con la que llegamos a la convicción de que puede cambiar al mundo uniéndonos todos en una conciencia universal." (Ana Laura Pereyra Woolrich, pintora)

"Hay que ser optimistas para este 2012, porque en 2011 no hubo mucho movimiento en cuanto a las artes plásticas. Vienen buenos proyectos culturales y esperemos se concreten." (Rigo Ramírez, escultor)

"El 2011 me dejó buen sabor de boca, ya que como Raptor Plateado vi nacer a un nuevo personaje que, de sólo ser un simple Otaku Boy, pasó a ser del gusto de muchos sin que necesite ser comprendido, simplemente por su filosofía y ocurrencias. De igual forma me siento contento haber contribuido a la educación cultural de los niños que asistieron a mis cursos de escultura. La semilla quedó sembrada, faltará ver si el árbol de plastilina tiene los elementos para crecer. A Jair Rivera el cineasta se le permitió avanzar, ya que haber sido merecedor de un premio en el Concurso de documentales del Mosaico de Culturas significó que, pese a que falta mucho por hacer, el camino es el correcto. Del 2012 sólo espero consolidar más al amigo de plastilina y fomentar esa decadente cultura del humor gráfico y la tira cómica; el cineasta espera dar inicio a varios proyectos en puerta. Dicen que los sueños solo se quedan como “buenas ideas”, espero este año se me dé la oportunidad de cambiarles la categoría y ascenderlas a realidad. Vamos artistas del sur, que si se acaba el mundo no digan que fue por falta de cultura." (Jair Rivera, escultor y cineasta)

"El 2011 fue un año muy bueno en el ámbito cultural. Una expresión importante fue la poesía. El movimiento poético se desenvolvió en la ciudad igual que una tormenta. Se consolidó el colectivo poético y, a las muchas personas que estuvieron pendientes, muchas gracias. Sólo podemos decir que seguiremos escribiendo. El 2012 será un año abrumador, fatal para aquellos que no gustan de la política, las campañas irrumpen en todos los medios de comunicación. Soñaremos con los candidatos. Al fin uno de ellos se sentará en la grande. Y seguiremos estando por aquí escribiendo. Igual nos espera el ruido del “fin del mundo”, la nueva era según los mayas, cual evangelizador los fines de semana nos anunciará el final con biblia en mano esperando dicho día. Pero seguiremos escribiendo. Habrá semanas que el calor dañará la razón de algunos. Pero seguiremos escribiendo. Si el texto entre líneas marea, el 2012 terminará mareándonos a todos. Si esperamos el próximo año algo bueno, nosotros mismos podremos demostrarlo. Y seguimos escribiendo…" (Adrián Rodríguez Tonche, poeta)

"El 2011 fue algo difícil, en lo particular, con altas y bajas, al igual que para muchas personas. Creo que hay que echarle ganas, hay que ponerse metas. En lo particular, para mí, vienen muchos proyectos para este 2012 basados en lo que me gusta hacer. Siempre hay que tener fijo algo, tener el deseo de aprender y tener muchas ganas e ilusión. Mi prioridad es conseguir más espacios para pintar y hacer una expo graffiti para toda la banda, sin preferencia alguna. Falta mucha motivación para todos en el aspecto de esta cultura, más que nada en las personas que nos juzgan por cómo nos ven o porque pintamos." (Taquui, grafitera)

"Ante todo éste 2012, año del Apocalipsis, se pronostica buena vibra y, después, mucha actividad creativa. Éste es un año decisivo en muchos aspectos que marcan la actividad cultural, se decreta que antes y después de todo está el arte como herramienta trasformadora de mundos. La cultura está vibrando de energía y no es posible quedarse ajeno o impávido tan solo a contemplar, el tiempo es arte, y hay que aplicar todo el conocimiento y las herramientas para llenar los muros de color y manifestar las ideas más extravagantes y radicales en las calles. Es momento de abrir los espacios y gritar que es momento de cambiar." (Tupac Emiliano “Sr. Tlacuache”, artista plástico)

Artes visuales en el 2011

2011-12-31T00:05:00.000-08:00

El sur de Veracruz vive, desde que tengo memoria, una crisis artística rotunda. Si hablamos de manifestaciones tradicionales, hay un terrible encasillamiento mal informado de los objetos artesanales convertidos en objetos de folclor, de souvenir, que terminan en ventas de chácharas. Si pensamos en arte moderno la situación lleva un camino diferente pero no más feliz. Dado que los gobiernos regionales no han encontrado la manera de hacer redituable una inversión pública, las manifestaciones contemporáneas y sus creadores se encuentran -por su cuenta- buscando apoyo a particulares que abran espacios de exhibición o que adquieran su trabajo, logrando pocos resultados.

Ni la iniciativa privada ni las autoridades oficiales consideran útil fomentar de ninguna manera la existencia de este tipo de manifestaciones. Es complicado cambiarles la idea, pues se puede constatar la poca afluencia de público a los escasos eventos artísticos que se generaron. Cuando pienso en lo hecho en materia de artes visuales en el 2011, concluyo que de todas las disciplinas fue la más “afortunada”. Por lo que corresponde a las artesanías, recuerdo las múltiples e inocuas feriecillas celebradas en Casa de Cultura, Museo de la Pirámide y Paseo de las Escolleras; todas con la consigna de celebrar el objeto turístico y de intercambio, mas no el fenómeno cultural, sus objetivos, raíces o futuro.

Hubieron, también, actos oficiales como la muestra de José García Ocejo en el Centro de Convenciones, la exposición de los artistas de la Galería Canaco en la feria de la ciudad, o la recopilación fotográfica de Ma. de los Ángeles Tubilla en el marco de los 100 años de Coatzacoalcos. Todas constituyen esfuerzos inusitados pero carentes del rigor profesional, discursivo y museográfico que las ocasiones, los recintos y las instancias ameritaban.

En el campo del arte moderno y contemporáneo en los espacios privados, encontramos una actividad mucho mayor. En este año, alrededor de una decena de exposiciones tuvieron lugar reanimando el trabajo de varios creadores profesionales. Artistas como Abi Amaya, Oriana Medina y Juan José Pérez Marrero -por mencionar algunos- mostraron sus trabajos en diversas exposiciones abriendo espacios para el encuentro, la crítica y el crecimiento artístico y cultural de la ciudad. Ya sean creadores incipientes o jóvenes profesionales, su trabajo ha empezado a estar al alcance de quienes se interesen en verlo. En este sentido es imprescindible mencionar a Tupac Emiliano quien, además de desarrollar su trabajo creativo, ha organizado exposiciones, mantiene la galería-taller Sr. Tlacuache y lleva a cabo el Bazar El Abrojo en conjunto con Ccinemedia.

Seamos honestos, la situación actual es aún precaria, pero sí se registra crecimiento. Hay gente que está interesada en mostrar su trabajo, y hay otra interesada en transmitir al público la necesidad de que estas manifestaciones existan, se difundan y se reflexione en torno a ellas. El círculo se empieza a completar; ya están apareciendo los artistas, y empiezan a surgir también intermediarios, canales de venta y de crítica. Ahora sólo falta más público (exigente, no complaciente) ávido de ver y hablar de arte. Es necesario para que haya más arte. (Alma Cardoso)

Un balance del cine del sur

2011-12-31T00:04:00.000-08:00

La remembranza de lo más importante del ámbito cinematográfico en el Sur de Veracruz, he aquí lo que pasó en el 2011:

1. Producciones. A) Largometrajes: No hubo. B) Mediometrajes: “Edificando la Fé”, realizado por un servidor para celebrar los 25 años de la Parroquia San Nicolás de Bari de Nanchital. C) Cortometrajes: “Panqueva, de espaldas al mar” de Rafael Guillén (ganador en el Mosaico de Culturas), “Varados” de Jair Rivera, “La estirpe del Dragón” de Mayra Orozco, “Anabstracta” de Luzzy García, “Don Valentín Mullor” de Pilar Zendejas, “Fragmentos de un recuerdo” de Rosario Ovando y Gilberto Otero y “Amor sin fronteras” de Héctor Negrete; además de “El totopo” de Francisco Molina (ganador en Cortotitlán) y “100 años para festejar” de Fernando Villanueva. En ficción se produjeron “Al ras de suelo” de Rosario Ovando (participó en Cortotitlán), “Agua Salada” de César Mollinedo (único participante en Creatos), “Mamita deja de fumar” de Francisco Molina (ganador en el Concurso del Día Mundial del Tabaco), “El Encuentro” de José Luis Ochoa (participante en Filmarte) y los de Julio Tadeo, “Escasos Fragmentos de Libertad”, “El método”, “La cacería” y “Menos que cero”. Total: 17 cortometrajes.

2. Concursos. De manera local estuvieron: A) Cortotitlán: El primero realizado en Minatitlán. Una buena iniciativa que no debe morir. B) 2do. Concurso de Documentales del Mosaico de Culturas: Tenía 5 años de letargo y que resurge, esperamos se conserve. C) Concurso Creatos: Un mal desenlace, con sólo un corto participante. A nivel estatal, “El Encuentro” de José Luis Ochoa participó en el evento más importante de cine, el Festival Filmarte; Francisco Molina ganó el Primer Concurso Estatal de Cortometraje Juvenil “Día Mundial sin Tabaco”, y Julio Tadeo participó con “Las razones de la navaja” en el concurso contra la violencia doméstica “Alza la Voz” en el D.F.

3. Muestras. En el Encuentro del Mar se mostraron las producciones del Rally Malayerba, así como una selección representativa de todos los realizadores de la región. En Nanchital, durante el PICOFEST, se exhibieron cortos de los Rallys de Tlacotalpan y Tuxpan, así como algunos del Centro de Documentación del Son Jarocho. En la Feria de Santa Rosa de Lima, en Jáltipan, se mostraron trabajos de la región.

Como pueden ver el balance del año es regular, ha estado mejor en otras ocasiones, pero usted tiene la última palabra. Nos leemos pronto. (Johnny Olán)

Antecedentes y perspectivas del arte en provincia

2011-12-31T00:03:00.000-08:00

Desde que el hombre primitivo recargó su mano llena de sangre o tizne en las paredes de la cueva y vio con asombro, al retirar la mano, impresa esa huella, nace probablemente la pintura. Es decir, el arte por equivocación. Es la necesidad o destino manifiesto que urgen al espíritu a sus caminos especiales cuyos dones, para ser consecuentes, no se dan a todos aunque, todos, sí gusten de la sublimación artística y, al paso del tiempo -en el Medievo se perseguía y quemaba a los actores, por ejemplo- las bellas artes conforman la parte más íntima del ser humano universal. En provincia, carente de todo y provista de más, la pared política ha sido, para las artes todas, un valladar inmenso que se vence: en la tertulia a cargo de esos primeros maestros cuyo apostolado -hoy desaparecido- les hacía declamar a Díaz Mirón, a Sor Juana, a Darío, la estimada hija del venerable y noble matrimonio de don fulanito y su gentil esposa acompañaba al piano unas canciones. Y era, de alguna forma, manifestación artística.

No es, en provincia por el momento, prioridad el arte. La pregunta es ¿lo será algún día? Lo cierto que se ha hecho, siempre, actividad que se cataloga como arte (artesanía es otro rubro). El futuro en nuestro solar artístico, es decir, lo que nos compete, es incierto: No se establece, que se sepa, el Premio Estatal, Nacional, de Novela (Cuento, Poesía) Coatzacoalcos, o Premio Minatitlán, o Jáltipan, Acayucan, Nanchital, Las Choapas, que son, nos dicen “lugares progresistas, industriales, petroleros”. Sin embargo, promotores culturales hay, presentaciones de libros hay, escritores hay. La incertidumbre entonces será, como siempre ha sido: vencer a la desidia para demostrar que hace falta apoyo, desinteresado; para elevar el rango, la calidad, la presencia de las artes en el sureste. Y todo, más allá del hermoso son jarocho. (Luis Chávez Fócil)

¿Y el diseño, qué?

2011-12-31T00:02:00.000-08:00

2011: año que agoniza para dar paso a uno nuevo, al ya muy desgastado 2012. Es momento de hacer un balance de lo que sucedió con relación al diseño en Coatzacoalcos, y es que algunas cosas son dignas de reconocerse y otras ni cómo exorcizarlas. Lo aplaudible es la apertura de espacios para promover, exponer y vender diseño; es grato ver cómo la inversión privada aún decide por apoyar a proyectos de ésta índole y no inclinarse por establecer otro restaurante o alguna boutique. Lo cuestionable de ello es lo que realmente se promueve en cada uno de esos escasos espacios, ¿son objetos con diseño o simplemente cumplen con lo estético?, ¿se ofrece diseño de alta calidad o sólo se cumple con estándares de buena gráfica sin ningún valor social?

Estoy completamente convencida que, a pesar de que ya haya algunos espacios para el diseño, siguen quedando a deber el combo completo. Como alguna vez lo expuse en éste medio, el diseño va más allá de lo “bonito” que tenga el producto. Cuando entendamos que el diseño puede ser un medio para transformar sistemas sociales, mejorar la calidad de vida o hacer crecer la economía, entonces veremos aquellos objetos de diseño carentes de muchos aspectos importantes para poderlos concebir como diseño.

Ahora bien, no todo es caótico. Llegar a ese nivel requiere de inicios bien fundamentados, los nuevos espacios tanto físicos como virtuales son un buen comienzo para aportar a Coatzacoalcos la cultura del diseño. Falta mucho por recorrer, pero es la pauta para hacer de la innovación una metodología cotidiana en cada empresa y en cada creativo, contribuyendo de esa manera a un progreso no sólo a nivel estético sino al valor social y por ende al progreso en nuestra sociedad. (Itzi Ruíz)

Música en peligro de extinción

2011-12-31T00:01:00.000-08:00

Dos mil once. La música ha sido ultrajada y replegada vilmente en el cajón de algún burócrata. Conciertos de música tan barata como las promesas de los políticos en campaña. Jóvenes con los ojos llenos de televisión, con MTV tatuado en los oídos. Orquestas infantiles y juveniles conformadas por los hijos de las familias pudientes. Recitales de orquestas infantiles y juveniles atiborradas de estas familias.

Las propuestas originales hechas en México denigradas por los oídos del sistema. Foros con las puertas cerradas a éstas propuestas. Peor aún: la inexistencia de ambos. Sólo un poco de escaramuza por aquí y por allá, escaramuza mal pagada: foros independientes sin recursos. Algunos músicos, con la fe entre sus cuerdas, probando suerte en otros lares. Algunos otros se quedan a presumir sus instrumentos carísimos, comprados por papá y mamá. Y los que se quedan, y no tienen otro interés sino la música, haciéndose camino con uñas y dientes. Si hay alguien por ahí con tendencias melómanas, se debe poner atención especial en éstos últimos.

Sí, la música era una meretriz, la más fiel. Pero ahora la han convertido en una prostituta barata. Mientras se siga utilizando el mote de “artista” a cantantes de pacotilla con el rostro lleno de maquillaje, el futuro de la música hecha en México será incierto. La música es identidad, y nosotros, día a día la estamos perdiendo. Dejemos de consumir la música nefasta que el sistema nos deja ir con su dedo impúdico. Pero, mientras la música siga cumpliendo su función como tal en la sociedad, hágase caso omiso a éste texto, escrito con tristeza y de puro ardor. (David Márquez)

Jesús Gallegos

2011-12-24T10:52:00.000-08:00

♠ La búsqueda en lo cotidiano

Jesús Gallegos tiene un concepto de poesía con el que probablemente no esté familiarizado. En vez de encontrarlo en charlas de café con una libreta de apuntes bebiendo un expreso, le recomiendo mejor acuda a algún bullicioso bar donde estará sentado, cerveza en mano, intercambiando estridentes risas. No lo verá dando un recital en algún solemne foro de las artes; quizá, con suerte, lo tope sin querer al pasar por la calle, o en alguna tarde calurosa en las playas del malecón. Y tal vez jamás lo reconozca, porque “Mosca” (apodo con el cual se le conoce) anda con máscaras estrambóticas y, en vez de declamar sus cantos, parece que está exorcizando demonios.

Jesús Gallegos no inventó ésta manera de escribir o de versar, está claro que sus creaciones tienen influencias y está claro también que su trabajo fraterniza con el de muchas otras personas de cualquier latitud. Y es precisamente lo que él busca: generar vínculos en torno a las palabras, sus símbolos, y las afinidades y desasosiegos que puedan generar. Tanto así que, junto a otros jóvenes con intereses similares, ha formado un colectivo poético urbano llamado Letras de Arena (ver Hebdomadario #114).

Su escritura es terrenal, y sin embargo, no deja de tener eso que es propio de la literatura que se vuelve universal. El trabajo de Gallegos es sincero y demuestra que forma parte de una búsqueda sensible que se manifiesta a través de lo que escribe. La poesía debe formar parte del mundo, siendo una experiencia extraordinaria inserta en lo cotidiano. (Alma Cardoso)

“07:14”

Yo no me llamo Saturno
ni Babel
ni Gama
yo no pertenezco a este mundo
ni al otro
ni al que se inventa en cada poema
yo no soy sangre
ni radioactividad
ni puedo comer relámpagos
yo no soy etéreo
ni el vacío
ni el infinito
Yo no moriré
ni me digitalizaré
ni viviré eternamente.

Jesús Gallegos

(Poema incluido en el libro inédito “In-Verso”)

El juego de la ficción y la realidad

2011-12-17T00:01:00.000-08:00

♠ Charla con Mónica Lavín

Estoy frente a mi computadora a la hora señalada, es la primera entrevista que realizo vía Skype, pero tengo la fortuna de hacérsela a una persona de confianza. Mónica Lavín, narradora mexicana, autora de “Yo, la peor”, “La más faulera” y “Hotel Limbo”, estaba dispuesta a conversar sobre su más reciente trabajo: “Las Rebeldes” (Random House – Mondadori), novela que nos acerca a las mujeres que dieron vida a la Cruz Blanca Constitucionalista, un equipo de médicos y enfermeras que atendía a los heridos del ejército comandado por Venustiano Carranza durante la Revolución Mexicana. La calidad del audio me sorprende, es posible adivinar los sonidos ambientales de su departamento en Coyoacán. “Me propuse intercalar dos voces para contar una historia relacionada con la desmemoria, de aquello que nomás no pasa a la historia oficial. Historias de personajes no visibles que se van quedando y que a un novelista le son muy apetitosas.”

El libro se abre como una caja de fotografías en que, cada episodio, nos refiere a estampas que van desde la lucha maderista a las confrontaciones entre los caudillos revolucionarios. “La narración comienza con una fotografía institucional y termina con una fotografía ficticia”, desliza Lavín. Por una parte, la novela se teje entorno a las fotografías y la documentación, y a través de una historia paralela, la de Jenny Page, personaje fruto de la imaginación, de cuya mano nos adentraremos en esos tiempos.

El 17 de marzo de 1913, Leonor Villegas de Magnón, una mujer rica y comprometida ideológicamente con la causa maderista, da inicio a las operaciones de la Cruz Blanca, en ella “se involucraron tanto mexicanos como estadounidenses, tanto doctores como enfermeras”. La frontera norte era un escenario muy diferente a como lo conocemos, “era una frontera no visible, era más un territorio cultural”, apunta Lavín. “Había una ideología compartida sin importar si eras del otro país. Incluso podías pasar de un lado al otro sin papeles. Por eso hablo del río Bravo como herida, desde que tienen que pasar a los heridos clandestinamente ya va siendo una herida de sangre que luego va a ser dramática.”

Junto a Leonor veremos desfilar una larga lista de personajes, casi todos históricos, como Jovita Idar. “Ella es tejana, periodista con muchas agallas, y defiende el idioma español, porque el periódico que escribía en Laredo lo hacía en esa lengua. En Estados Unidos no había enseñanza del español, y sin esto se pierde la identidad, la memoria y la riqueza de tener dos idiomas.” Para Mónica Lavín, ese trío de damas, se abrieron un espacio para participar en la sociedad de su momento. “Eran mujeres de combate, en el idioma, en la identidad, en los derechos de las mujeres, y luego, finalmente, en la causa revolucionaria.”

Durante la trashumancia impuesta por los combates se irán desgranando los nombres de los generales revolucionarios o federales. “A mí me encantó Felipe Ángeles, me parece el más ético, de gran fineza espiritual, además un estratega admirable. Un hombre que fue muy importante para Villa, y que Carranza desperdicia, lo aleja quizás por envidia. Me sedujo este personaje, me atrae lo poco que encuentro de Leonor sobre él. Y, por otro lado, el papelito que hallé en su archivo personal que utilizo para la trama. Este papelito, en el que habla poéticamente de sus cejas y las de Leonor, existe. Estaba muy dobladito, escondido. No es un documento oficial, es un documento personal firmado por Felipe Ángeles. También había ahí un hombre romántico, o sensible.”

El amor deambula en los convoyes militares, en los hospitales improvisados y las trincheras, se adhiere a los personajes como la sangre o el olor a pólvora. Con “Las Rebeldes”, Lavín busca plegarse a la memoria, resucitar nombres condenados al olvido. Eustasio Montoya fue uno de ellos, fotógrafo oficial de la Cruz Blanca y posteriormente de Venustiano Carranza, filmó varias de sus batallas. “Fui a buscar en los archivos de la biblioteca de Laredo, ahí lo ubiqué y supe quiénes eran su madre y sus hermanos. Por un investigador de la Universidad de Nuevo León supe que había tenido un hijo.” Y la interrumpo ¿con una de la Cruz Blanca? “No -responde Lavín en medio de risas- eso hubiera sido muy bueno”, y retoma: “Su tragedia fue que pasó el resto de su vida enviando cartas para que le compraran los miles de pies de filmación que tenía y nunca pasó. Algo que incorporé en la novela al enterarme.”

El cuidado en la investigación y el respeto por la historia se respiran en sus páginas, ello no implica sacrificar la libertad propia de un creador literario. “Aracelito no es ficticio, está mencionada en la memoria de Leonor Villegas; me encantó que se llamara así, por eso nunca aparece su apellido. Es un personaje que veo en las fotos de Leonor y deduzco que fue su protegida, pero no se sabe nada de ella sólo su dilema amoroso.” Vuelvo a interrumpir, ¿era hija de trapecistas de circo? “No, no sé nada más de ella. Hay que inventar una historia de los que sabes muy poco.” Es Mónica Lavín, y es el interminable juego de la ficción y la realidad. (Entrevistó y fotografió en exclusiva: Jaime Panqueva)

La materialidad de lo intangible

2011-12-10T00:02:00.000-08:00

♠ Crónica de la FIL Guadalajara 2011

Quiero evocar que las ferias se inventaron de forma oficial en la Edad Media, con estrictos fines comerciales. En los incipientes burgos europeos se convenía un punto de encuentro en fechas específicas del año donde concurrían mercaderes y compradores. De estos intercambios se establecieron contactos, alianzas y, a la par, se intercambiaban ideas, bienes intangibles, y aún así, la base de lo que llamamos civilización. Lo digo rápido y corto porque a mi primera visita a la Feria Internacional del Libro (FIL), me llevaron los negocios. Fue hace dos años, acababa de ganar el premio de primera novela y no tenía quién la publicara. Ésta fue la herramienta, pues en un solo lugar se reunían todos los interesados del gremio literario: autores, editores, agentes y lectores. El resultado fue tan sorprendente que volví al año siguiente, y bueno, este año también.

Se habla poco de él, pero es uno de los motores ocultos de la FIL: el salón de derechos. Durante tres días en una sala llena de mesas redondas, agentes y editores de diferentes países establecen contactos personales, se discute sobre autores, publicaciones, traducciones y proyectos. Aunque parezca que sólo hay personas platicando entre sí, en ese lugar se gestan libros o colecciones. Ahí hice contacto con una agente alemana y, quizás en honor a Alemania, país invitado, mi primera cita sería con ella. Antes de llegar, paso por el auditorio en el que Fernando Savater, flanquedo por Xavier Velasco, habla con los jóvenes sobre su “Ética para Amador”.

Llego puntual y salgo estimulado por la charla, han incluido mi nombre en el catálogo de la agencia en la feria del libro de Frankfurt. Me encuentro con una amiga editora, promotora cultural, agente y personaje de la novela “Apuntes de un escritor malo” de Mauricio Bares. Ella es de Tijuana, vive en el DF y está en Guadalajara. Así andamos muchos. Quedamos de acuerdo para cenar y continúo. Cámaras y reflectores, Antonio Skármeta se desplaza hablando con seguridad de su “Ardiente Paciencia”. Del primer piso de esa instalación atiborrada de libros, me invitan a subir. En las escaleras saludo a Francisco Martín Moreno (“Arrebatos carnales” y la extensa serie de historias de México) y, una vez arriba, estrecho las manos de Benito Taibo, su hermano Paco Ignacio Taibo II y Eugenio Aguirre, a quién no conocía en persona.

El tiempo empieza a encimarse, hay presentaciones de libros, coloquios y actividades. Todo se agolpa. Converso poco tiempo y vuelo para ver a Pedro Ángel Palou y su “Varón de deseos”. Aprovecho para hacer firmar por sus autores algunos ejemplares que cargué desde Coatzacoalcos. Vuelvo a correr y llego tarde; Antonio Ortuño presenta su nueva novela, “Ánima”. La verdad me divierte mucho más como orador que como novelista. Al finalizar, saludo a Jaime Mesa (“Rabia”), a Carlos Velázquez (“Biblia Vaquera” y tengo pendiente por leer su “Marrana negra de la literatura rosa”), y a Rogelio Guedea (uno de mis microcuentistas de cabecera).

A Ortuño le presento mi ejemplar de “La señora rojo” para que lo autografíe, y cuando me saluda por mi nombre me arrepiento de haberlo dado de baja de Facebook. Abandono la sala y me doy cuenta que se hizo de noche, llevo pocas horas y siento que no he visto nada. Pero me quedaré un día más. La FIL, como todas las ferias, es un encuentro de seres humanos que intercambian sus culturas, sus ideas. La FIL va más allá de las típicas ferias comerciales. En el aspecto político es fácil ilustrarlo con dos ejemplos:

Al día siguiente pude acercarme a Javier Sicilia, aunque conversamos unos pocos minutos su calidez humana marcó mi jornada, y me atrevo a decir que aún me acompaña. Lamenté el triste recuerdo que permanece en él de Coatzacoalcos, “es el peor lugar que visité en el sur”, me confesó. Me parece que su misión humanitaria ha eclipsado el valor de su poesía mística. Por supuesto, preferí comprar “Tríptico en el desierto” a “Estamos hasta la madre”. De tal relevancia se considera su influencia política, que Paco Ignacio Taibo II aprovechó para convocarlo a él y a su movimiento a apoyar el proyecto presidencial de la izquierda. Ésa es una de las caras de la FIL. El otro ejemplo es bochornoso, de vergüenza, y le tocó a Enrique Peña Nieto. La ignorancia es atrevida, dice el viejo refrán. Nunca pensé que el candidato del PRI fuera tan osado.

Me perdí muchos buenos autores, pero el día y medio que pasé en la FIL “de negocios” bien valió la pena. Comenta un artículo de prensa que este año la FIL recibió más personas pero vendió menos y obtuvo menos utilidad. ¡Qué importa! Estoy seguro que sus predecesores medievales estarían satisfechos al ver que hay todavía números negros y que el intercambio de bienes intangibles puede permitirnos pensar en un mejor país en medio de la zozobra de la violencia. (Reporteó en exclusiva: Jaime Panqueva)

El evangelio de Quetzalcóatl

2011-12-10T00:01:00.000-08:00

♠ Contrastes y otredades

Está ya de sobra decir que México es un país de contrastes. Cargamos sobre nuestros hombros, como cualquier nación moderna, un cúmulo de experiencias que hacen de la historia un dibujo de variaciones tonales tan vastas, que a veces nos es difícil distinguir. Sería más específico decir que somos adoradores de la dualidad. Culturalmente nos entendemos como el producto de un trauma tan impactante que hasta la fecha no logramos reconciliar. Este país es uno y lo otro al mismo tiempo. Un crisol hermoso a la vista pero construido a partir de incontables fragmentos producto de un estallido anímico, físico, moral y espiritual que ha resultado del inevitable impacto de dos fuerzas opuestas que colisionaron.

Desde que Frank Díaz publicó “El Evangelio de Quetzalcóatl” en 1985, mostró interés por reanimar las más antiguas dualidades que en nuestro pasado habitan. La más grande de todas: la transformación del príncipe tolteca Ce Ácatl Topiltizin Quetzalcóatl en dios. Pero también trajo a flote la dualidad trascendental característica de las culturas mesoamericanas: el principio creativo-destructivo, representado por los dioses Quetzalcóatl y Tezcatlipoca, cuya danza cósmica se manifiesta en la idea de que “sólo la muerte puede darnos la vida”.

A partir del trabajo literario un nuevo contraste nace, entrañablemente, en la misma ciudad que vio a Quetzalcóatl en su momento de tránsito al mundo de lo sagrado. Como hilvanando un hilo imaginario que enlaza diversos pasados con nuestro presente, el director David Aguirre adapta el texto de Díaz a una obra de teatro que lleva el mismo nombre, en la que propone un nuevo vínculo con una parte de nuestra identidad. Gracias a su peculiar formación en el mundo de las artes escénicas, David Aguirre y su compañía Teatro Urbano, nos permiten experimentar una propuesta cuyo mayor reconocimiento radica en que –literalmente- de la nada han construido un teatro y una obra para montar en él.

La dirección permite notar claramente el paso de lo humano a lo sagrado del protagonista, al mismo tiempo que –apoyado en recursos extraídos del “teatro del absurdo”- nos revela el carácter de cada uno de los personajes. El trabajo actoral es igualmente notable -más considerando que sus edades van de los 17 a los 27 años- y podemos apreciarlo en las gesticulaciones y desplazamientos que nos permiten imaginar desde metamorfosis o batallas épicas, hasta viajes astrales o emplazamientos arquitectónicos. Incluso los modestos recursos escenográficos están empleados de las formas más creativas, demostrando que no es necesaria una costosa producción para disfrutar y activar nuestros canales intelectuales y estéticos.

El esfuerzo de este grupo de “teatreros”, pone de manifiesto un contraste contemporáneo fuertemente enraizado en nuestra actualidad cultural: a mayores recursos, menor calidad y capacidad de imaginación; basta echar un ojo a la cartelera del Teatro del Pueblo o del Centro de Convenciones. Las obras de teatro están, ahora, en otro lugar que no son los teatros. (Alma Cardoso)

“El evangelio de Quetzalcóatl”, viernes y sábado 8 p.m., domingo 7 p.m., Auditorio “Taurino Caamaño”, Llave Esquina Galeana, Coatzacoalcos, Veracruz, boletos al (921) 15 43338.

Al blues lo que es del blues

2011-12-03T00:01:00.000-08:00

♠ Crónica del concierto tributo a José Cruz

21 de Octubre 2011.- Sobre la avenida Cuauhtémoc hay jóvenes que cargan instrumentos musicales. La gente pasa y los mira con indiferencia. Un joven de rastas está sentado en la banqueta, recargado sobre una cortina de metal con un tatuaje de colores que reza: Alicia. Es viernes por la tarde y el frío del Distrito Federal nos da la bienvenida. La colonia Roma se pinta de azul nuevamente. En otros lugares tocan otros músicos de grueso calibre, como Jaime López, pero ésta noche es mágica. Ésta noche huele al limo de las piedras del río Mississippi, al polvo de una encrucijada donde un joven vendió su alma al Diablo, huele a campo, a flores de algodón, huele a destierro. Es viernes por la noche en el D.F. y Alicia abre las piernas para nosotros. Ésta noche bailará al ritmo del blues.

A mi lado, los músicos de Zona de Ruido esperan la llamada para subir al escenario. Había llegado la hora. Con los nervios rompiéndonos las manos como una epilepsia alcohólica subimos al escenario representando al, hasta hace poco inexistente, blues veracruzano. “Nos ha costado tanto trabajo y esfuerzo estar aquí. Nos sentimos honrados. Venimos a ofrendarles nuestra luz, desde el fondo de nuestro corazón”. Omar, el más joven de los músicos de Zona de Ruido, hace el conteo. Suena un blues en tonos menores que se arrastra como jazz. Pantalones de mezclilla roídos, playeras negras, chamarras de piel, botas, una voz triste que canta bajo el cielo de la capital. “Noche Felina”, “Delirio”, “Coyote Bar” y “Mañana quizá” encendieron la llama del tributo al más grande compositor de blues que ha parido México: José Cruz Camargo.

Con aspecto de gánsteres, los músicos de Ollín Bantú se trepan al escenario. Comienzan su intervención con la fuerza y la vitalidad que les da su identidad. Después, con una guitarra y una jarana, subió al escenario Roberto González, cantautor rupestre, orgullosamente veracruzano pero chilango por instinto, y con su aguardentosa voz terminó su participación con esa hermosura llamada “El huerto”. Luego, Follaje subió al escenario. Pantaletas mojadas, braguetas duras, corazones latiendo en doce octavos. Una armónica poseída por siete demonios hacía el amor con una boca, blues mexicano con un texto cachondo, cotorro y callejero. Podía escucharse entre compás y compás la sístole y la diástole de los corazones. Al final todo era calor humano. El sudor nos recorría, lamiéndonos el cuerpo.

Después de tanto éxtasis, pensamos que no podía haber algo que superara lo que habíamos vivido, erramos. Entre el público, un carruaje tirado por unicornios se abrió camino, donde un chamán blusero llegaba para terminar el ritual, para cerrar el vórtice que se había abierto esa noche. Sus ojos tenían fuego. Detrás de sus hombros, florecían sus alas. “Gracias a Zona de Ruido, a Ollín Bantú, a Roberto González y a Follaje por el apoyo”, dijo José Cruz. Gimió una guitarra. “Mamá, tengo el corazón muy oscuro, mamá, tengo un corazón pecador…”, y esa sensación de que la vida vale la pena, regresa al cuerpo. Real de Catorce trajo su ofrenda de incienso, fuego y híkuri. La voz, la música y la poesía de José nos llevaron en una peregrinación hasta el corazón del desierto, sabe que va a morir, pero su arte ha salvado tantas vidas que lo ha hecho inmortal. Y es fuerte. Poco más de una hora duró su concierto, interpretando temas como “La medicina”, “No me dejes por favor”, “Soledad y sol”, “Llévate la historia”, “El blues del atajo” y su rúbrica “Azul”.

Mientras bebía una cerveza recordé una máxima de John Lee Hooker que dice “Uno no se hace cantante de blues. Se nace así”. Entre risas, brincos, lágrimas y cerveza terminó el concierto. Poco a poco el Multiforo Alicia fue quedando vacío después de un merecido tributo a una persona que ha dejado su vida entera en “un polvoso escenario”. José Cruz vive en nuestros corazones, entre tantas canciones, entre tanta poesía. Ha construido un camino lleno de blues y nosotros, sus discípulos, estamos dispuestos a andar por esa senda. La senda bienaventurada del blues. (David Márquez, líder y vocalista de Zona de Ruido, en exclusiva para éste semanario)

David Aguirre

2011-11-26T00:01:00.000-08:00

♠ La necedad por el teatro

Siempre hay excusas para rendirse. A David Aguirre, productor, director, escritor, escenógrafo y actor de teatro, le sobran. Puertas que cierran en su cara, falta de apoyo financiero, etc. Aún con ello el joven visionario fundó la compañía Teatro Urbano aquí en Coatzacoalcos y, hace unos meses, dejaron un delicioso sabor de boca con “La espada de los dos cielos”, su obra debut. Hoy, a unas semanas del estreno de “El evangelio de Quetzalcóatl”, permite la entrada en exclusiva a éste semanario a los ensayos. Y, de paso, nos cuenta un poco de todo.

David Aguirre Pavón (Coatzacoalcos, Veracruz, 17 de agosto 1981) aprendió teatro con los que lo hacían porque “no me aceptaron en la UV de Artes en Xalapa. Me fui a trabajar con Abraham Oceransky, quizás el mejor de México, tres años. Levantamos la carpa Libertad. En la escuela no te enseñan todo lo que yo aprendí con él. Después, Alejandro Ricaño de la UV, me fue a buscar para trabajar con ellos.” En total, más de 30 obras, entre ellas “Justine y Juliette”, “El libro de la selva”, etc., lo convierten en un conocedor de las entrañas del teatro. “Trabajando con gente de alto nivel es como aprendí”, enfatiza.

“Regresé a Coatzacoalcos éste año. Abrí un taller en Casa de Cultura y el resultado fue la obra “La espada de los dos cielos”. La gente respondió muy bien”, recuerda Aguirre. Pero hubo problemas, según cuenta: “La primera función la dimos sin luz. No me dejaron dar la segunda. A la tercera llegó mucha gente, a la cuarta igual. Unos minutos antes de dar la quinta función Angélica Carmona (directora de Casa de Cultura) llegó a cobrarme, me dijo: ‘Te doy cinco minutos para que me des la lana o no hay función’. Al final me prestaron.” Y deja caer la piedra: “El Auditorio de Casa de Cultura se debe usar para lo que es: el teatro.”

“Después de eso busqué un espacio dónde trabajar.” La idea de “El evangelio de Quetzalcóatl” ya rondaba la cabeza de Aguirre, un proyecto que define como ambicioso. “El regidor Salvador Hernández me consiguió usar el Auditorio del PRI y me dejó trabajar, de hacer mis talleres.” Pero, ¿qué es éste nuevo proyecto?, David responde: “Todo lo que se ve en la obra es mío, pero me documenté, saqué ideas de libros como ‘Azteca’ de Gary Jennings y ‘El evangelio de Quetzalcóatl’ de Frank Díaz, entre otros.” Las fechas en que usted podrá ver ésta maravilla son 9, 10, 11, 16, 17 y 18 de diciembre en Llave esquina Guerrero, colonia Centro.

A futuro, David Aguirre sueña con “formar una escuela de teatro autosustentable, que tenga un repertorio para todo el año, con actores creciendo.” ¿Es la única forma?, se le pregunta, “Sí, porque aunque no tengo el billete del mundo, hago lo que me gusta.” Y ataja: “Cada minuto de mi vida lo invierto haciendo lo que yo quiero: teatro.” Y se le cuestiona si vale la pena, respondiendo afirmativamente sin dudarlo, más comenta: “La gente dice que estoy loco. A lo mejor sí, pero somos los que hacemos la diferencia.” Vaya que la está haciendo. Otro motivo para no rendirse. (Fotos, puntos y comas: Mario Sepülveda)

Cómo recordar a un cronista

2011-11-12T00:01:00.000-08:00

♠ A José Ignacio Ordóñez, in memoriam

La idea que regularmente se tiene acerca del aporte social de un cronista es de quien, por medio de su trabajo intelectual, nos proporciona una narración informativa veraz sobre antecedentes históricos, descripción de aspectos geográficos y citas biográficas respecto a ilustres personajes relacionados con determinada época, una localidad en particular o de protagonistas destacados que guardan mucho interés en torno a cierta idiosincrasia colectiva. Tal sería el caso del recién fallecido José Ignacio Ordóñez Rodríguez (1956-2011), quien mucho antes de ser nombrado Cronista Adjunto de Coatzacoalcos ya se pulía por transmitir una visión anecdótica de los valores culturales del suelo porteño.

Un atributo suyo es su especial empeño en hacer resaltar siempre los detalles que son característicos de éste su municipio y el entorno regional. Actitud que mucho compartimos en la búsqueda por enriquecer la narrativa de temas bien articulados que luego fueran expuestos de viva voz mediante lecturas públicas, o a través de los medios informativos. Acentuado esto con su tono peculiar que, según parece, supo llegarle a la sensibilidad ciudadana en el propósito común de lograr reconocer nuestra identidad cultural, como depositarios y reservorios de las tradiciones imperantes en la parte norte ístmica y del bullicioso sotavento veracruzano.

Al haberle tratado de cerca en el constante trajín de hacer la crónica histórica del terruño le apreciamos el ameno estilo desarrollado con un toque personal en base a su formación periodística, producto de la experiencia adquirida por varios años en distintas revistas y diarios donde participaba; pero, sobre todo, inspirado en el afán creativo por conjuntar aquellos elementos tanto tangibles como intangibles que le dan a este girón patrio una personalidad propia junto con su medio ambiente costero, los recursos no renovables, las festividades anuales y el renombre bien ganado de sus hijos más ilustres. Descanse en paz José Ignacio Ordóñez. (Rafael Alcántara-Conde)

Diseño: ¿estética o solución de problemas?

2011-10-29T00:02:00.000-07:00

Muchas veces hemos escuchado acerca de diseño con relación a la moda, gráfico, interiores, editorial, publicidad, etc. Sin embargo el mundo del diseño últimamente ha tenido una gran fuerza que hace décadas sólo hacía ruido; un ruido tan significativo que se ha convertido en una voz a través de un megáfono que nos hace pensar, actuar e imaginar que todo puede ser posible. Hoy es inevitable hablar del diseño, de la transformación que está viviendo y que seríamos insensibles al no ser parte de esa mutación.

Para empezar, ¿qué es el diseño? Inmediatamente nuestra mente empieza a proyectar imágenes como dibujos, bocetos, gráficos, moda o en su defecto vienen palabras claves como dibujar, crear y estética. Y no está mal, el diseño va muy de la mano de eso pero, ¿realmente el diseño acaba allí?

La gran mayoría de los diseñadores o estudiantes de las carreras relacionadas con el diseño tienden a percibirlo como el resultado tangible o materializado de alguna idea. Simple, conciso y natural. Sin embargo la parte que diferencia del arte al diseño se nos está olvidando, ya que el arte existe por que el artista así lo desea, sin embargo el diseño existe porque el humano así lo necesita o lo demanda. Es decir, cuando hablamos del diseño hay una relación estrecha y directa con el ser humano, y no es que en el arte no exista dicha conexión si no que, cuando hablamos de diseño, se escucha al usuario decir qué es lo que desea y qué problemática tiene para que el diseño la resuelva.

La situación que vivió el diseño es que sólo existía en el nivel estético, podía satisfacer ciertas necesidades pero no completamente ya que lo bello tomaba un valor mayor que la funcionalidad. Si vemos a nuestro alrededor, las empresas o grandes países tienden a recurrir al diseño como parte importante de su estructura o sistema de gobierno. ¿Qué está sucediendo? Es el resultado de lo que algunos creativos llaman diseño humanitario. Ya no podemos quedarnos en lo narcisista o lo estético, cómo bien lo dijo el diseñador Phillipe Starck, hay niveles de diseño y a veces nos quedamos en crear para otros diseñadores, pero hay una sociedad con suficientes demandas y necesidades que no podemos satisfacer con el sólo hecho de ser bello.

El diseño, hoy, interviene desde un textil inteligente; unos zapatos que, al desgastarse, se convierten en semillas para que sean nuevos árboles; estructuras e interiores que hacen que la productividad de una empresa se eleve (como el caso de Google) y que estimulan la creatividad de sus empleados; o programas de educación que tienden a instruir de formas creativas. Éstas son muchas formas que los creativos están adentrándose a otro nivel de diseño, ven y van más allá, hay un fuerte vínculo con el ser humano, el trascender deja de ser algo ególatra para convertirse en algo completamente responsable y comprometido con la sociedad.

Para finalizar expondré las palabras de Emily Pilloton, diseñadora que se volcó a trabajar en la educación: “Diseñadores, seamos sinceros, tenemos que reinventarnos, necesitamos volver a educarnos en las cosas realmente importantes, necesitamos trabajar más fuera de nuestra área de confort y tenemos que ser mejores ciudadanos en nuestro propio patio de atrás”. Como creativos, los diseñadores no podemos seguir trabajando porque un “yo” se llene, esos tiempos han acabado. Si queremos ser diseñadores en tendencia y ser partícipes de lo que ahora se considera visionario, debemos trabajar en el diseño humanitario. Diseñemos para un humano, no para un cliente. (Itzi Ruíz Mora)

Abi Amaya

2011-10-29T00:01:00.000-07:00

♠ La exploración del concepto

¿Recuerdan la exposición “Una mirada al edén”, montada en el primer cuadro del malecón costero de Coatzacoalcos hace unas semanas?¿Recuerdan dos retratos, impresionantes en detalle, que llamaron la atención de transeúntes a pesar de que la lona no les hacía justo tributo? Su autora, la joven Abi Amaya, se sentó a platicar con éste semanario. Y, a diferencia de otros supuestos artistas a los que hay que andar correteando como divos, ella ofreció siempre gentileza, respeto e inteligencia. Algo que muchos, con menos talento, deberían aprenderle.

Abigaíl Amaya González (25 de noviembre 1982, Coatzacoalcos, Veracruz) estudió artes plásticas en la capital del estado, y explica: “no recuerdo mi primer acercamiento con el arte, no lo descubrí, desde que yo me acuerdo está ahí”. Ésta decisión trajo sus consecuencias, ya que su familia le aconsejó que estudiara otra cosa, “no hay una industria del arte, como lo hay de otras cosas y menos aquí”, le dijeron. Para prepararse, después de un tropezón al no ser admitida al primer intento, acudió con el pintor Salvador “Chava” Mullor, de quien dice “es una persona muy confiable, con él avancé mucho”.

“Al término de la carrera se me da la oportunidad de hacer una residencia artística en Serbia, allá dejé dos pinturas”, cuenta Amaya. A su regreso a éste puerto se dedica a la docencia, incluido un taller particular: “Me gustaba mucho. Llegué a tener cinco adultos y cinco niños”. Esto trajo un periodo de satisfacción, pero de absorción al grado de dejar de producir obra que incluía, además, un viejo dilema surgido en la escuela. “Me pasó algo raro: dejé de pintar. No quería, ponía pretextos. Me sentía presionada por asuntos teóricos-conceptuales y quizás había una manera sencilla de resolverlo, pero yo no la sabía”, revela ésta novel promesa. Y ataja: “ahora no me interesa en lo más mínimo solucionarlo”.

Afortunadamente, para nosotros como público, se encuentra retomando su carrera. “En Coatzacoalcos hay mercado potencial para vender. Lo que pasa es que hay que saber vender”, afirma Abi Amaya. “La mayoría de mi obra es del 2008, en acrílico. Tengo una serie de retratos, ocho en total, que surgieron de una fiesta en Xalapa. Tomé fotos de varios amigos, sin posar, espontáneos. Más que nada andaba buscando atmósferas”. Estos se podrán admirar a partir del próximo viernes 4 de noviembre en la galería de La Bocata, sita en Bravo esquina Quevedo, con la inauguración de la exposición “Mirada de mujer”.

“Estoy por comenzar mi tesis sobre la representación pictórica de la flora característica de Coatzacoalcos, además estoy haciendo una serie de corales al óleo, que al parecer se expondrán en Acapulco.” Esto la tiene de vuelta a la estimulación de ese músculo creativo del que ya demostró ser tremendamente fuerte. Así, recargada, Abi Amaya refleja en su mirada una certeza: la que sólo se obtiene cuando hay un rumbo definido. (Fotos, puntos y comas: Mario Sepülveda)

Karin Etter

2011-10-22T00:01:00.000-07:00

♠ La alucinación de la irrealidad

El pasado sábado 8 de octubre de 2011 se llevó a cabo el festival conocido como “Oktober fest”, adaptado a Coatzacoalcos por el Art Café Alemán / Reiner´s Bierterasse junto con la Asociación de empresarios y emprendedores, A.C., teniendo como invitado al grupo cultural y artístico “Itzpapalotl” que está ubicado en la población de Sihuapán, municipio de San Andrés Tuxtla, Veracruz, a través de Karin Etter, artista plástica originaria de Suiza. La exposición que se montó en dicho festival consta de magnificas obras de pintura y alebrijes en cartonería en la Biblioteca municipal “Oralia Bringas de García”.

En entrevista exclusiva para éste semanario, Karin Etter reveló que era su primera vez en éste puerto. “He tenido exposiciones en Xalapa, Naolinco, Coatepec y en nuestra galería, pero aquí no, desde mi llegada de Suiza hace tres años.” Su temática está llena de fantasía, plasma pensamientos y los fusiona con los sueños y la vida diaria. “Me gustó experimentar con diversas técnicas que he aprendido en los talleres de Itzpapalotl, de hecho de ahí salieron los alebrijes.” Y reconoce que le gustaría seguir desarrollándose en el arte en

México, “aunque no es fácil, pero queda mucha satisfacción”, aclara.

Cosa curiosa, estando tan cerca de Coatzacoalcos es la primera vez que tocan ésta tierra. “Me gusta cómo se organiza la gente en Veracruz, me gusta su creatividad”, comenta Karin Etter. “No tengo formación académica, aprendí de mi mamá, que era artista. Siempre tuvimos chance de tener papeles, colores, herramientas necesarias. Me gustó pintar, tomando talleres en todos lados. Incluso en México, en la Casa de Cultura de San Andrés.” Y promete regresar, quizás con el colectivo, quizás sola. Pero de que regresa, es un hecho. (Mario Sepülveda)

Edgar Cano

2011-10-15T00:02:00.000-07:00

♠ La roca que mimetiza

Con la invitación que la Universidad de Carolina del Sur, en Estados Unidos, hizo al artista plástico Edgar Cano se reafirma lo que todos sospechábamos desde un principio: su talento lo hará llegar lejos, muy lejos. Ésta joven promesa eleva su arte a latitudes insospechadas –pero merecidas- para el común denominador. Desde hace unas semanas, aquí en Coatzacoalcos, se pueden adquirir sus impresionantes litografías en la Galería Sr. Tlacuache, en Campeche #102, en la colonia Petrolera. Una oportunidad para tener un pedazo de su magnífica obra.

Edgar Cano López (Isla, Veracruz, 26 de diciembre 1977) es un artista gráfico que recientemente fue favorecido con la beca FONCA (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes) en la categoría de Jóvenes Creadores. Con un total de diez exposiciones individuales y más de treinta y cinco colectivas, Cano ha pisado tierras tan lejanas como Serbia, Canadá, Filadelfia, Nueva York, Londes y Boston, siempre recogiendo elogios y excelentes críticas.

Las litografías referidas son producto de la experimentación que Cano hizo en el taller La Ceiba Gráfica, cerca de Xalapa, bajo el proyecto “Piedra de dos caminos” desde el año pasado. Ésta técnica, hecha en mármol mexicano proveniente de Tatatila, Veracruz, permite que refleje su forma de trabajo, el dibujo rebozado y de intención mimética, conteniendo narrativas de un panorama actual de la sociedad mexicana en un contexto urbano. Ésta maravilla está disponible, como se dijo, aquí en nuestra ciudad. (Mario Sepülveda)

Itzi Ruíz Mora

2011-10-15T00:01:00.000-07:00

♠ Experimentando con la moda

En Dododo Design florecen una fusión entre el arte y el diseño. Itzi Ruíz Mora (Coatzacoalcos, Ver., 26 de junio 1986), egresada de la carrera de Licenciatura en Diseño y Mercadotecnia de la Moda, habla con éste semanario de su experiencia en el ámbito nacional de la moda, experiencia que demuestra que, a pesar de su notable juventud, hay un largo camino recorrido.

“A la universidad nos llegaban avisos de concursos y la directora internamente seleccionaba las propuestas. Mi primero fue en Moroleón”, narra Itzi, “mandaron un textil y con él tenías que hacer algo que no se viera que fuera de ese textil. Vieron las propuestas de todas mis compañeras y de todas seleccionaron a tres, entre esas la mía. Quedé dentro de las finalistas. El diseño era un vestido como de bufanda mezclado con mezclilla.”

Pero ahí no paró. “De ahí hubo un concurso de Luminiscencia, que era mezclar prendas con LEDS e incluía un curso en la UNAM para aprender a hacerlos. Lo organiza Ana Fusoni y todo mundo apostaba que yo ganaría, pero otra vez me quedé en la orilla.” Y llegó una gran oportunidad. “Mi último concurso, aún en la carrera, fue en la revista Elle. Diseñé un vestido de coctel inspirado en Kenzo: sencillo, de noche, negro. A ellas les llamó la atención la mezcla de texturas que hice, porque era muy rara. Eso me ganó estar en las finalistas.”

Al término de su carrera Itzi Ruíz, en colaboración con otros compañeros, participó en un certamen del que salieron con un tercer lugar: “el reto era transmitir una emoción con una fotografía de moda, sin editar.” Pero a su regreso a ésta, su tierra natal, se topó con pared. “La gente de aquí no quiere diseño, sino copiar lo que se encuentran en las revistas. La auténtica diseñadora de modas no hace eso. Si lo quieren hacer qué bueno, pero no es lo ideal.”

A todo diseñador se le va la inspiración. “Después de un bache creativo, tomé el taller de innovación con Hildegart Oloarte y aquello fue un estímulo”, admite Itzi. “Volví a tener contacto con los materiales y me inscribí de nueva cuenta en el concurso de Elle, que pedía diseñar la prenda que se pusiera una chica en la última noche de 2099. A los jurados les encantó mi propuesta porque son varias técnicas: teñido, bordado y deshilado, todo mano.” Pero se vuelve a topar con pared. “Después de la selección de semifinalistas llegué a la final, pero no gané.”

Actualmente Itzi Shantal Ruíz, además de diseñar prendas únicas bajo el sello Dododo Design, imparte clases en universidades y próximamente dará talleres. “He tenido mucho trabajo independiente. Tengo tres vestidos en puerta, dos de boda y uno formal. Hasta el diseño del uniforme de un equipo de fútbol.” Y vislumbra el futuro como sólo los artistas lo pueden hacer: “Yo no me conformo, me gusta irme por otros caminos y ver qué sale, experimentar.” Sin duda, el auténtico camino de la creación. (Entrevista y fotografía por: Mario Sepülveda)

Luzzy García

2011-10-08T00:02:00.000-07:00

♠ La captura de la esencia

Dentro de las actividades del pasado 5to Festival Picofest 2011, en Nanchital, se presentó la exposición fotográfica “Fin d’après midi” de Luzzy García, talentosa joven originaria de esa tierra. En ella se pueden apreciar instantáneas sobre lo que su mismo título explica, el final de la tarde. Al respecto ella comenta: “Para mí es el mejor momento del día, ya que cada segundo que pasa el sol muere más rápidamente, sin embargo cada instante es más bello que el anterior, y cuando el sol toca el horizonte, anuncia la llegada de un nuevo día.”

Luzzy García (Nanchital, julio 1987), es una artista interesada en la fotografía y los medios digitales. En su aún corta carrera ha participado en cortometrajes y documentales, destacando la co-dirección del corto “Sabor aguardiente” (2009) y la dirección de fotografía del documental “En los tiempos de Chico Balderas” (2009). Para ella, es claro, es importante capturar “las situaciones que vivimos diariamente, las que hacen que nuestra vida tenga color y sabor.”

Las fotografías aquí mostradas son parte de “Fin d’après midi”, la cual se ha vuelto itinerante, ya que estará recorriendo varios lugares de la región, comenzando con la pasada exhibición en Jáltipan, Veracruz, dentro de las festividades de Santa Rosa de Lima. Luzzy García explica, “capturo alegrías, desilusiones, esperanzas y fortalezas, las que nos hacen dormir o morir para comenzar a vivir un nuevo día.” Y qué espléndido día nos depara. (Mario Sepülveda)

Recuerdos de poesía

2011-10-08T00:01:00.000-07:00

♠ Presentan libro de Carlos Alemán

Con la participación de los literatos Rubén de Leo Martínez, Luis Chávez Fócil y el además filósofo Samuel Pérez García, a cuyo cuidado estuvo el haberse editado, la noche del lunes 19 de septiembre último fue presentado en Casa de la Cultura porteña el libro póstumo de Carlos E. Alemán O., llevando por título la línea final que tiene uno de los treinta poemas escogidos e incluido bajo el mismo nombre: “.. En tu alma clara con amor yo entro”, donde se reúne una muestra valiosa del trabajo apasionadamente versificado compuesto por este bardo porteño, que siempre estuvo carente de varios recursos para hacerlo de forma mucho más digna, debido a una falta de apoyo institucional al desarrollo artístico creativo.

Con la dolida ausencia prematura del joven autor, los participantes hicieron mención de su reconocida entrega e interés por dominar el manejo de los catorce versos endecasílabos –en dos cuartetos y otros tantos tercetos distribuidos- que, impregnado todo de ‘la cadencia del trópico’, forman cada soneto suyo para cantarle ‘con tanto sentimiento a la mujer’, logrado mediante “la pulcritud del ritmo y originalidad de imágenes”; de los cuales estuvieron algunos bellamente recitados e incluso, durante la parte artística del programa, un par de ellos fueron musicalizados por el cantautor Francisco Castillo Cervantes ‘el Gorrión’.

En tan emotiva velada, también amenizada con la guitarra de Odilio López Ramírez, fue notoria la significativa presencia de todos aquellos que conociendo bien al talentoso poeta fallecido, compartieron, discreparon o coincidieron en inquietudes estéticas y obtuvieron a la vez su desinteresada aportación prestada tanto a particulares y organismos, al igual que coordinadores de asociaciones civiles, como el taller literario Bernal Díaz, Unión Estatal de Escritores, Hospital Regional Comunitario, Ateneo Puerto México, grupo cultural Papaqui, revista de análisis Raíces y centro independiente Casa Verde, por citar unos cuantos. (Rafael Alcántara-Conde)

Tupac Emiliano

2011-10-01T00:01:00.000-07:00

♠ La basura regresa a la calle

“Los objetos estaban ahí, las charolas, las tapas; algunos incluso ya estaban acoplados. Era basura. Yo sólo los uní. Me gusta que no se vea muy trabajado, sólo un ensamblaje sencillo. Eso es lo que se manifiesta: lo que se puede hacer con los objetos que te circundan.”

“Ha habido discusiones sobre qué son. Si habría que darle valor a la pieza. Muro + concepto y darle ese carácter al juguete. Estoy sorprendido de la disputa que ha salido, incluso hay gente que le gustan.”

“Han salido unas metáforas bastante divertidas, el concepto que pueden llegar a formar. Por ejemplo, los botes de pintura hicieron algo, se pintó algo con ellos: un árbol, un paisaje, un retrato. Son un registro de tiempo, cada uno de esos botes.”

“Son repeticiones de un mismo objeto. Continuaciones. Utilizar la menor cantidad de elementos para construir la pieza. Madera y tornillos ó tapaderas y tornillos.”

“Yo no regalo mi arte, eso es subjetivo. ¿Qué es? El ego del artista o creador va ligado a que ya vale tanto en dinero porque ya lo tocó, y depende de cómo te apellides. Esto no tiene valor cuantitativo sólo cualitativo.”

“Llevar el objeto a ser parte de la imagen urbana, alguna esquina, alguna pared y que el destino decida qué sucede con ellos. Lo imagino como algo que sale de lo habitual, que decora el entorno, sin un discurso, sin siquiera una firma, simplemente está ahí. La gente que pase por ahí lo ve y ya.”

“No estoy esperando una reacción. No espero que alguien haga algo con la pieza. Sí quiero ver qué pasó únicamente como una cuestión de registro.” (Entrevistó y fotografió: Mario Sepülveda)

Jaime Panqueva

2011-09-24T00:01:00.000-07:00

♠ La lucha contra el olvido

Jaime Panqueva, autor de “La rosa de la China” (Planeta, 2011), se sentó a platicar con éste semanario. Se tocaron varios temas, desde la profundidad de las razones históricas de Catarina San Juan, mejor conocida como La China Poblana, pasando por Kalimba y Loret de Mola, hasta los tuiteros jarochos encarcelados. Con su hablar apasionado, su fascinación por la información, Panqueva suelta detalles de su libro, de cómo ganó el Premio Juan Rulfo y hasta de sus próximos proyectos.

¿Qué es “La rosa de la China? “Éste es el duelo: la historia pretende ser ciencia, la literatura es arte. Ambas regidas por valores contrapuestos. El historiador busca siempre la verdad, aunque utilicemos la palabra, un material muy manipulable. En la literatura buscamos la verosimilitud, y funciona a través de la imaginación. Lo que queremos es expresar lo que pensamos o por lo menos las ideas que consideramos interesantes expresar”, inicia la charla Jaime Panqueva. “Son básicamente cuatro argumentos unidos por una trama. El día de 1634, un diario, unos papeles encontrados y un ‘videclip’ sobre el asalto a una hacienda y las cartas de Catarina recordando lo sucedido. Hay muchas historias dentro pero había que tener cierta deferencia con el lector, no perderlo con tanto dato y meterme de lleno a explicar o pintar cuadros de la arquitectura, sino que la acción te fuera dando puntadas.”

La historia de Catarina San Juan es real, está documentada. Jaime Panqueva le imprime toques de dramatismo únicos que detalla: “Es jugar con esa imaginación que tiene todo lector. Cada texto se complementa con ella. La gran ventaja que tiene todo escritor, y que uno debe agradecer y reconocer, es que el lector te deje entrar en su mente. Te deja jugar con esas ideas, te deja presentarle problemas y te completa lo que tú propones. Eso es lo que más me emociona. Cuando una persona lee tu texto se apropia de él, conversa con él. Lo que estoy contando son relatos no muy extensos que se hilvanan a lo largo del tejido como una novela. Tiene un trasfondo histórico, pero es una novela de aventuras.”

En esa ubicación histórica que hace, nos damos cuenta que desde la Nueva España a la fecha nada ha cambiado: “Todavía vemos lo que pasó hace cuatro siglos. Es increíble. Estamos viviendo repeticiones matizadas. No hemos superado la colonia.” ¿Por qué no ahondar en eso?, el escritor colombiano responde: “Porque se pierde la anécdota, se diluye la línea de la historia de Catarina, que tenía un mito, que era santa. Mi idea era presentar el mito de la mujer sensual contrapuesto de la Catarina histórica que era una mujer santa. No amañé nada. En algunos datos históricos sí quise ser muy preciso, pero también juego.”

Una historia que ya recibió reconocimiento, el Premio Juan Rulfo 2009 por primera novela. “Terminé de escribirla en un taller y me recomendaron dos cosas: ir a tocar puertas, diciendo que nunca he publicado y, la otra, meterla a concursos. La metí a varios, incluso me desencanté de algunos. Y lo olvidé, pasó el tiempo y en el lugar y momento menos esperados me llamaron para decirme que yo era el ganador de éste Premio”, narra emocionado, “es casi como el nacimiento de un hijo.” Después, vino el calvario de buscar editorial para publicarla: “Llegué a Random House en 2010, les dejé el manuscrito y me comentaron que era histórica. Pasó el tiempo, después me comentaron que a varios les había gustado excepto al hijo de José Agustín quien dijo que no iba. De ahí fui al Fondo de Cultura Económica, me trataron bien, pero el problema es que tenían las prensas ocupadas hasta el 2012.” Y finaliza, “por fin ve la luz en Editorial Planeta, me involucré en el proceso de armado y estoy muy a gusto.” (Entrevistó: Mario Sepülveda)

José García Ocejo

2011-09-17T00:01:00.000-07:00

♠ Una muestra de arte nacional

Admirar el trabajo pictórico de José García Ocejo (Córdoba, Veracruz, 1928) es echar un vistazo a uno de los momentos artísticos más influyentes en la modernidad de México. Por coincidencia, pero sobre todo por el ánimo de renovar el panorama cultural de nuestro país a mediados del siglo XX, García Ocejo forma parte de un destacado periodo de la historia del arte llamado “Generación de la Ruptura”, tan amplio y heterogéneo como para abarcar tendencias diversas como lo hecho por José Luis Cuevas, Manuel Felguérez, entre otros. La denominación define no a una agrupación sino a una incomodidad del núcleo social artístico del momento, pues el espíritu del arte mexicano estuvo mayormente impregnado de los valores mexicanizantes que se veían reflejados, por ejemplo, en la obra de Diego Rivera o José Clemente Orozco, y que ya hacia los años 50’s se habían convertido en un cliché: el México de los campesinos y los sombrerudos había quedado en una nostalgia de la utopía rebelde revolucionaria (plasmado en los muros de los edificios institucionales) y no reflejaba en su totalidad el carácter moderno que buscaba ganarse un lugar a nivel internacional.

La Ruptura representa ese punto de quiebre, una actitud antagónica ante los recalcitrantes “padres muralistas” por quienes había respeto pero que, en un acto poético y parricida, era necesario aniquilar. Los temas dejaron de ser los mercados de flores o las mujeres indígenas y empezaron a sustituirse por temáticas de carácter internacional, referencias literarias no sólo de México, citas a filósofos e, incluso, a otros pintores. En el estilo notamos nuevas formas de representación, se dejan de lado las imágenes simplistas, realistas y figurativas del arte mexicano (“Mujer con alcatraces” de Rivera como referencia), y empiezan a aparecer pinceladas de carácter abstracto propias del modernismo internacional por influencia e interpretación de pintores que van desde Picasso hasta Jackson Pollock. La aparición en la escena mexicana de algunos artistas extranjeros, que decidieron asentarse en el país, también contribuyó a este cambio, como la llegada de Vicente Rojo, Gironella o Roger von Günten.

Es en este panorama donde aparece por primera vez el trabajo de José García Ocejo. Identificado como parte de esos artistas promotores de la Ruptura, el veracruzano decidió -por consejo nada más y nada menos que de Diego Rivera- dejar sus estudios de arquitectura para incorporarse a las prácticas pictóricas. El reconocimiento de la participación en la escena nacional de García Ocejo ha tenido sus bemoles, pues no existe tanta bibliografía crítica acerca de su trabajo como sí lo hay de otros pintores; sin embrago, desde hace ya algunos años, se han promovido diversos homenajes y exposiciones retrospectivas mostrando sus trabajos.

El público que acuda a la exposición que se encuentra en el lobby del Teatro de la Ciudad de Coatzacoalcos tendrá acceso a unos cuantos -pero muy diversos- trabajos de José García Ocejo, con técnicas que incluyen tinta, acuarela, óleos y acrílicos. En ellos notaremos, por ejemplo, las pinceladas sueltas y despreocupadas que distinguen el trabajo del veracruzano y que tienen clara influencia impresionista. Igualmente podremos percibir -sobre todo en los trabajos de mayor formato-, la maestría en el manejo del color y el empaste; cómo unas cuantas combinaciones cromáticas aplicadas rápidamente nos permiten notar una textura, un borde e incluso el contorno de una figura humana. La maestría con la que los pigmentos son aplicados sobre el plano, habla de un total conocimiento de los materiales de trabajo, cosa que se logra únicamente a través de un muy largo camino de práctica, término conocido como “soltar la mano”.

Una parte interesante de la exposición es la que conforma el conjunto de obras sobre papel, en donde podemos observar parte de la serie “Dandy”, inspirada en varias de sus influencias decimonónicas tanto pictóricas como literarias. La mayoría de estos dibujos son de una etapa clásica-temprana de su trabajo; y además, notamos que también hay una experimentación interesante con los autorretratos que abordan el estilo Art Nouveau.

Acercarse a esta muestra implica tener la oportunidad de conocer el trabajo de un miembro activo dentro de la escena artística de México; asimismo nos da la oportunidad para revalorar el trabajo de un creador veracruzano, y poder realizar un ejercicio crítico acerca del camino que ha tenido el arte a nivel local, estatal y nacional desde el momento en que García Ocejo inició sus producciones hasta la actualidad. (Alma Cardoso)

En el linde del arte y el diseño

2011-09-10T00:01:00.000-07:00

♠ ¡Diseña, diseña, diseña!

Al analizar las manifestaciones estéticas actuales según la técnica con la que han sido realizadas, encontramos que por su proceso de factura, método de elaboración y tipo de materiales, éstas se agrupan en dos grandes vertientes que hasta hace unas décadas estaban completamente separadas y diferenciadas.

Por una parte, tenemos el concepto tradicional -de vena ancestral-, que vincula a la producción de objetos estéticos con un trabajo minucioso, donde la maestría de una persona en el manejo de los materiales da como resultado una creación de manufactura única, con una identidad propia y una técnica específica que genera un lazo especial entre lo creado y la persona que le ha dado existencia. No hay dos iguales, es imposible. La mano humana, con todas sus peculiaridades, accidentes y destrezas, ha dado lugar a algo único, específico, ha creado un objeto <> que ha sido dotado de una esencia, de un alma. Las artes plásticas, como la pintura y la escultura en sus formas más puras, ejemplifican este concepto.

Y en el lado paralelo de ésta bifurcación encontramos esas otras cosas, que en vez de llamarse creaciones son comúnmente entendidas como producciones. Su proceso de factura es distinto, se apoya enérgicamente en herramientas y tecnologías que funcionan como intermediarios entre el humano y el producto (estético) final. Al no existir ya un proceso creativo directo (el pintor aplicando empastes de óleo sobre el lienzo, o el escultor cincelando el mármol), estos objetos carecen de esa cualidad animista. Pero esto no necesariamente es una debilidad, pues al carecer de “alma” la obra de arte se baja del pedestal y deja de ser un objeto de adoración para volverse en uno de uso. Y mejor aún: una de sus características es que cancelan la existencia de un “original”, y abren la posibilidad de crear varias copias. En este campo encontramos las tendencias artísticas y de diseño propias del siglo XX: la fotografía, el cine, el videoarte, el arte por ordenador; el diseño gráfico, industrial y de indumentaria (o “de modas”). Todas comparten la cualidad intrínseca de ser objetos de reproducción múltiple.

Algo muy curioso sucede cuando abordamos el campo del arte contemporáneo. Sea cual sea la manera como definamos las producciones estéticas actuales, vamos a notar que una tendencia apunta al objeto híbrido. Y es una de las características más notorias de la contemporaneidad (no sólo del arte): aquellos que están en sintonía con su contexto, en búsqueda constante de información y que se muestran receptivos a la vorágine de cambios en la que actualmente vivimos, apuntan a la diversificación, fusión y readaptación de los conceptos y sus usos. Las prácticas híbridas nos revelan parte de lo que somos y hacia donde apuntamos. En ese sentido, considero la propuesta de Dododo Design empática a todos estos fenómenos: es un proyecto colectivo, cosa que desde el principio ya apunta a una dinámica creativa, dialógica y consensada. Trabaja con objetos de diseño (muebles, ropa), es decir, propios del mundo de la reproductibilidad técnica, y sin embargo, el punto en donde su propuesta encuentra su cúspide es cuando dichos objetos son generados o intervenidos con un meticuloso proceso de singularización que, a mi entender, es un acto creativo en el que tanto Hildegart Oloarte como Itzi Ruíz, dotan de “alma” a las cosas.

Dododo Design expone este concepto de dos formas diferentes: primero, está la intervención de “objetos encontrados”, los cuales tienen una clara intención funcional. Hablamos de bancos o sillas de diferentes estilos, que siendo propios del campo del diseño industrial, se vuelven una especie de lienzo tridimensional, y son modificados y “estetizados” por medio de la colocación de textiles que recrean formas que apelan a lo orgánico. Lógicamente dicha intervención es concebida como un acto creativo casi gestáltico, espontáneo, en el que el resultado final (casi incierto) se logra a través del juego que hay entre artista y materiales. Un banco, se vuelve “tú” banco.

Un caso diferente se aprecia cuando vemos el diseño de indumentaria, pues notamos que las camisolas que presentan, no están producidas en serie. En cambio, llevaron todo un proceso manual que se hace evidente en el proceso de “estampado” que hay sobre las prendas, que consiste en una técnica fotográfica de procedimiento artesanal. Estas fotos no se pueden re-imprimir. Es como un proceso de desindustrialización, no existirá un vestido como el que traes puesto jamás, incluso si Dododo Design volviera a ser el creador. Y no es cuestión de exclusividad banal, sino de fuerza conceptual. Por eso, sus trabajos se deslizan entre los campos de lo artístico original y lo cultural técnico.

El motor principal de Dododo Design es motivar la sensibilidad a través de la personalización de los objetos que forman parte de nuestros mundos cotidianos. Lo que encontramos es una invitación a redescubrirlos para notar eso de único que tienen que nos ayuda a reencontrarnos con el mundo de las formas; y, curiosamente, invita a relacionarnos a un nivel más subjetivo con los objetos. Ahí está lo interesante de esta fusión. (Alma Cardoso)

Cómo ser un buen cineasta en el sur de Veracruz

2011-09-03T00:01:00.000-07:00

♠ Reglas de etiqueta no escritas

1.- La mejor cámara es la que tú tienes: Nadie es menos por trabajar con una “Handycam” o más por hacerlo con una profesional. Lo que va a contar siempre es el guión, la fotografía, las actuaciones. El cine es un todo y no sólo es la cámara. Por supuesto, entre mejor equipo tengas, mayor garantía de hacer un buen trabajo tienes, pero no lo es todo. De nada sirve meterle filtros, efectos, cromas, hacerlo en HD, con Final Cut y demás, si tu corto no lo entiende nadie y dice nada.

2.- El cineasta incomprendido es aquél que no quiso nunca establecer un método de trabajo: Ésta frase la aprendí en un curso y es muy cierta. Alguna vez escuché decir en el ‘making of’ de un cortometraje: “no vean este corto, este no es un corto para México”. Qué cosa más tonta. Si con esa frase vas a justificar tu falta de recursos visuales, histriónicos y de guión, fue porque no trabajaste bien el proyecto desde un inicio.

3.- Hacer una buena preproducción es la clave: No te vaya a pasar como cierta persona que en el guión incluyó un coche sólo porque el actor que hacía ese personaje tiene uno, ¿y si ese día de filmación no lo lleva?, ¿nada más porque sí se retrasa el rodaje?, ¿o acaso tienes un guión tan versátil “que no importa” que salga sin coche? Recuerda no sacrificar la estética visual de tu historia por esos detalles de nula planeación.

4.- No anticipes con demasiados meses de antelación la premier de un trabajo que no has terminado: Es estúpido. En serio. A nadie le interesa saber con tanto tiempo de adelanto la presentación de tu película. Intensifica la difusión de tu premier cuando la fecha esté cerca, sobre todo cuando tengas lugar y hora confirmada. Si no, sólo te conviertes en un charlatán.

5.- Cuida tu ortografía y redacción: Un servidor no es la gran cosa escribiendo, ni mucho menos. Pero hay errores que no tienen perdón de Dios. Y es peor también que las ideas no puedan ser bien planteadas por tener mala redacción. Recuerda que como realizador, como medio, como comunicólogo, tienes una responsabilidad muy fuerte, ten consciencia de ella por favor.

6.- Llévate bien con los medios: En primera invítalos siempre a tus presentaciones, trátalos bien, déjate entrevistar (aunque luego te hagan preguntas como “¿Por qué no se incluyó a Salma Hayek en tu cortometraje?”, me pasó a mí), proporciónales información; ya sea de un medio pequeño, mediano o grande, todos son importantes. No les restrinjas la entrada, sobre todo si son especializados en cine, máxime si trabajas o trabajaste en uno.

7.- Nunca digas que tus trabajos “están participando” en Festivales cuando no han sido seleccionados todavía: Es simple: no puedes asegurar que un trabajo va a participar en X o Y Festival, si todavía no sale la lista de la Selección Oficial. Es sano confiar en la calidad de su trabajo, es correcto decir “lo mandé al Festival X” pero no adelantarse y decir que está participando. Hacer eso es poco ético porque la gente se lo cree y, sin estar confirmada tu inclusión, te felicita. Con todo respeto, no mereces felicitación alguna. Y es peor decir que “participó” cuando el festival ya pasó y sólo lo enviaste y no fue seleccionado. Eso es no tener criterio.

8.- Sé firme en tu postura como realizador: Primero no andes como muñeca fea que nadie te quiere, luego de quejoso de que no hay apoyo, para terminar denigrando al lugar donde naciste diciendo que no hay cultura y demás cosas. Sé parte del cambio, no de los que se quejan. Lucha de verdad, alíate, sácale partido al gobierno, no que ellos lo saquen de ti. Sé inteligente, promueve, crea, difunde tu trabajo, agradece el apoyo que te brindan las instituciones, la iniciativa privada, los amigos. No seas contradictorio, no escupas la mano, no jales la pata. Sé digno.

9.- Intenta utilizar actores y crew de fuera: Darle trabajo nada más a la gente que va a misa contigo los domingos significa también que: a) tienes complejo de Almodóvar, ó b) crees que los actores de la cuadra esperan solamente a ser descubiertos, ó c) no tienes suficiente valor y no crees lo suficiente en tu proyecto como para que alguien más trabaje en él por muy poco dinero.

10.- Agradece a todos los que te apoyan: Muy importante: todos y cada uno de los que te apoyan en la realización de tus producciones cuentan, y mucho. No caigas en ideas arcaicas de no darle siquiera una copia en DVD quemado (aunque sea sin portada y caja si no quieres gastar) a los que fueron tus actores, que al final quieren usar ese proyecto como portafolio de trabajo, o como simple recuerdo de lo bueno que fue estar en esa producción. Si les niegas eso es que no te importa el esfuerzo que ellos realizaron.

11.- No utilices a tus compañeros de trabajo: Supe varios casos lamentables de que literalmente, por unos pesos, las agrupaciones de realizadores o gente que han trabajado juntos se separan, aunque eran muy amigos. Dejar las cosas en claro siempre es más sano: no trabajes con ellos para conseguir un espacio en TV para luego quedarte con todo el billete, o ganes un concurso y te reclamen luego de que repartas el premio.

12.- Cuentas claras, amistades largas: Es imprescindible que cuando contratas a otros para apoyarte en tus producciones, les pagues en tiempo y forma lo acordado, aunque sean tus cuates. No uses el trabajo sin haberlo pagado, lo único que ganas es enemistades y ser tachado en el medio.

13.- Sé orgulloso y egocéntrico… sólo en el lugar y personas con las que debas de serlo: Con tus amigos, con los medios, con tu familia, sigue siendo el mismo, no cambies esa sencillez. Con los demás marca tu territorio, defiende tu trabajo, siéntete orgulloso del mismo, trasciende, sé importante, transmite a los demás esa importancia. Si no pasarás desapercibido y no lograrás tus objetivos.

14.- Cacarea el huevo: Antes, durante y después. Utiliza todo lo gratis como internet. Visita los medios como periódico, revistas, radio, televisión. Que la gente vea tus cortos en muestras, concursos, festivales, etc. No salgas con tonterías de no querer presentar tus proyectos a la gente, y luego andar quejándote de que no hay público. Hay que brindarle la oportunidad a la banda de poder verlos, criticarlos y hacerlos suyos. Ubica bien tu deseo como realizador: ¿transmitir un mensaje a la gente o hacer que mi familia y amigos se sientan orgullosos de mí? (Consejos dados por: Johnny Olán, cineasta)

El grafiti en Coatzacoalcos

2011-08-29T19:17:00.000-07:00

♠ Un movimiento que -aún- da señales de vida

En Coatzacoalcos hay grafiti, de eso no hay duda. Hace ya algunos años que se formó ésta nueva forma de expresión, (me atrevo a decirlo porque en algún momento llegué a formar parte de él) donde cada vez más gente se sumaba compartiendo la misma inquietud: PINTAR. La ciudad se fue llenando de tags o placas, que tenían como finalidad darse a conocer o marcar territorios que, por lo general, abundaban en las colonias vecinas de los grafiteros, rutas por las que pasaban para ir a la escuela y, en el mejor de los casos, espacios aéreos o avenidas muy concurridas. Aunque para muchos eran sólo garabatos, estos arreglos caligráficos tenían gran sentido, mientras más enredadas y mejor trazadas fueran las letras, la calidad era mayor y se le denominaba “tagger”.

El grafiti y su raíz

La influencia de las revistas jugó un papel importante: en las secundarias entre compañeros se prestaban las primeras, para copiar o imitar los grafitis que ahí aparecían. Una de las pioneras que comenzó a circular en Coatzacoalcos era “Graffiti”. La calidad fotográfica no era la mejor, ni el tipo de impresión, pero al menos se podían apreciar trabajos de otros lugares donde el pensamiento estaba más avanzado. A medida que transcurría el tiempo, el movimiento ganaba seguidores; chavos de secundaria y más grandes se reunían los fines de semana en el malecón costero. Ahí se conocían los nuevos integrantes, se platicaba de las intervenciones nocturnas, se presumían bocetos. Al compás de las rimas, las noches de fines de semana transcurrían en medio de un ambiente amigable donde se comenzaba a formar una peculiar familia.

Los primeros eventos o expos fueron organizados por mismos integrantes del movimiento donde, por medio de carteles pegados en las calles, se invitaba a la comunidad grafitera y a los interesados a pasar un rato amigable en las Expo Grafiti. En éstos eventos habían batallas entre raperos, break dance, grafiti, DJ’s y hasta jaraneros. Estos eventos se organizaban con dinero de los propios grafiteros, como el pago de salón; los premios para los ganadores salían de las cuotas de recuperación que cobraban al ingresar a los eventos, cuyo precio iba desde los 20 hasta los 50 pesos, eventos donde el gobierno no intervenía para nada y creo que ni se enteraba.

Muchos mejoraron su técnica, y se fueron adoptando estilos de otros lugares gracias a la influencia de revistas o de viajes que, algunos grafiteros, realizaban fuera de la ciudad a concursos a nivel nacional. Llegó el boom del grafiti, donde cada semana había una convocatoria para pintar alguna barda, o una “pinta masiva”. Había bombas, tags y piezas bien elaboradas por todas partes, en cada pinta masiva se congregaban más de 200 almas grafiteras, unas con más experiencia y técnica que otras, pero todas estaban ahí. Los grafiteros de libreta, que apenas comenzaban, llegaban a admirar los trabajos de los que, para ellos, eran los mejores, hasta llegar al punto de pedirles sus bocetos para guardarlos como recuerdo.

Los stickers llegaron y se esfumaron

Después de ver más y más trabajos, unos mejores que otros, llegó el boom del street art que duró muy poco. Algunos stickers (calcomanías, Nota del Editor) aún sobreviven, pero muchos fueron arrancados por el “señor del ayuntamiento” que, a bordo de un triciclo, se encargaba de “limpiar” los anuncios y parchaba, además, con brochazos los tags y bombas que había en las paredes. Escasos trabajos de calidad hubo en esto que, desde mi punto de vista, si hubiera continuado tal vez seguiría vivo y formando cosas interesantes.

Los pocos que comenzaron a colocar pegatinas en los anuncios, casas, paredes o donde pegara el vinil se fueron separando, quizá por tener prioridades sobre que el street art. Lo cierto es que se siguen haciendo algunos trabajos de este tipo, aunque la verdad es que dejan mucho que desear. En la actualidad he observado algunos stickers donde sólo figuran tags, y eso no es una propuesta creativa. Es así como un movimiento hermano del grafiti se quedó estancado en algunos anuncios de vialidad que ahora están olvidados en el tiempo.

El grafiti local hoy

El tiempo lo transforma todo, sin duda. ¿Qué ha pasado con la tendencia? ¿Qué ha pasado con la familia grafitera que en algún momento estaba unida? Fácil: el tiempo ha hecho estragos. Hoy, lo que en alguna época fue un movimiento, se esfumó. A mi parecer no hay propuestas estéticas interesantes, no hay proyectos productivos, no hay hermandad como la de antes. Ahora, los grandes o pseudo líderes, creen llevar de la mano un movimiento que desapareció gracias a las divisiones tontas de crews y las ambiciones por ser unos más que otros. Esto me lleva a pensar que el grafiti que, alguna vez quiso hacer algo en Coatzacoalcos, no existió; se quedó en las intenciones de marcar al puerto en un aspecto positivo, pero hasta ahora nada se ha logrado.

Y qué decir de los grafiteros de la vieja escuela: muchos ya han hecho su vida, se han casado, han tenido hijos, otros se han mudado, otros más continuaron sus estudios. Todos dejando claro que el grafiti solo fue una etapa de secundaria o prepa. Los más perdieron el interés. Otros, los menos, gracias a su trabajo han logrado una exención, con la cual se pasan por entre las piernas el artículo que sentencia como un delito ésta práctica. ¿Y los demás?, ¿quién protege a los grafiteros de cuaderno?, ¿su líder inmune?

Esa es la realidad del movimiento actual. Ahora politizadas y manipuladas, en las Expografitis siempre ganan los mismos, donde los reconocimientos son de los mismos, donde los grandes hacen menos a los más chicos. Hoy, en Coatzacoalcos, hay grafiti, de eso no hay duda. Hay grafiti con mejores trazos y mejores técnicas, pero sin propuestas que beneficien al movimiento. Hay grafiti politizado. ¿Quién lo diría? (Texto y fotos por: Mr. Grafiti)

Exposición colectiva independiente

2011-08-20T00:01:00.000-07:00

♠ Fotos, ilustraciones, pinturas y más

"Huizapoles" de Tupac Emiliano, Sr. Tlacuache

"Paranoia de lo absurdo" de Josafat Santos

En el número 124 de éste semanario (al que muchos dicen no leer pero casualmente se enteran de lo aquí escrito), nuestra colaboradora y especialista en arte Alma Cardoso, hacía puntual mención de la importancia que los espacios artísticos en Coatzacoalcos para la difusión de la obra personal de cada ser humano que desee expresarse.

"El discurso del animal" de Juan José Pérez Marrero

He aquí que el restaurante La Bocata (en sus dos sucursales) se está convirtiendo en importante punto de concentración para el público interesado en ver –y comprar- obra, así como para que artistas –incipientes y no- que deseen darse a conocer lo hagan. Y, en ese sentido, el pasado sábado 13 de agosto se inauguró la Exposición de Arte Independiente.

"Candy Dream" de Zomvy

Obra de "Dekosimo".

Integrada por dibujos de Anahí Pazarán, fotografías de Nezda Lara y Manuel Aguilar, telas de Oriana Medina, y pinturas de Tupac Emiliano alias ‘Sr. Tlacuache’, Dekosimo, Josafat Santos, Juan José Pérez y Zomvy, la muestra se convirtió en una vitrina de autores plásticos autónoma, que guarda en sus entrañas la inyección de vitalidad y renovación que la escena artística local estaba esperando. Quizás necesitando. Algunos diremos: apremiando.

"Tiempo y eternidad" de Oriana Medina

En contribución al objetivo de la exposición, que es mostrar las producciones al público, es que dejamos a su entera y absoluta consideración las obras. En los siguientes números –esperemos- se dará cuenta individual de ellos, los artistas. Por lo pronto, aquí algunas imágenes de la obra expuesta que, de igual manera, se encuentra a la venta. (Reportó y fotografió: Mario Sepülveda)

Un toque de blues

2011-08-13T00:01:00.000-07:00

♠ Crónica del concierto de José Cruz

29 de julio de 2011, México, D.F.- Las escaleras del Multiforo Alicia son una tortura para subir el pesadísimo equipo que ha sido descargado rápidamente de una vieja camioneta azul. Parte del staff se encarga de armar el set para la tocada y están un poco retrasados, ya que Nacho, encargado del Alicia, tardó un poco en llegar. Comienza la telaraña de cables: un tipo con rastas empieza a “microfonear” los amplificadores, sigue con la batería y por último el de la voz.

La prueba de sonido

Por la puerta, se ve llegar a José Cruz Camargo Zurita, la leyenda del blues mexicano, con un bastón y con el rostro de fatiga. “Terminando la prueba ¿podrían llevarme a un lugar?” nos dice. Óscar Molina, su cuidador, lo lleva de la puerta al escenario en su silla de ruedas. Sube cuidadosamente y se sienta en el banco que ya le espera. Comienza a checar sus pedales y le pide a Óscar Castillo, del staff, que mueva algunos cables y cambie la modulación de los pedales. Comienza a llover en la colonia Roma.

José Cruz comienza a checar sus amplificadores, afina su dobro y comienza a ecualizar. Piden silencio, la prueba de audio comenzará. Christian Villanueva, joven baterista, es el primero en probar. Algo que pocas veces se ve, notoria experiencia del ingeniero del audio, ecualizan una batería en 5 minutos. Sigue el turno de Rodrigo Pratt, un excelente y joven bajista. De ahí Arturo Waldo, otro joven músico guitarrista. De ahí ecualiza Iván Villanueva, el primer músico que tuvo José Cruz después de separarse de Real de Catorce, un pianista experimentado, que prueba su tritón impresionante y, después, prueba una guitarra.

El ambiente está bien vibrado. José toma su micrófono “Blues Blaster” y comienza a ecualizar su armónica. Le sigue el dobro y su guitarra. Por último, María José Camargo, hija de Cruz, comienza a probar. Hay un silencio momentáneo. Cruz dice algo a sus músicos. “Vamos a hacer una prueba general, para checar los monitores, y te vamos diciendo los volúmenes que queremos”. Christian Villanueva hace el conteo y comienzan a probar.

“Siempre he querido escuchar en la radio esa canción que inventamos borrachos…” Es despampanante la fuerza de ejecución, es tan notoria la juventud que revitaliza el espíritu de José. “Bebimos y vivimos”, fue la primera con la que probaron. Luego, para probar la voz de María José, hacen prueba con “El Quinqué”. Qué exquisitez. Al término, José se retira y sus músicos se quedan acomodando las cosas.

El concierto

Minutos antes de su intervención, José Cruz llega en un automóvil Honda gris y su staff lo espera afuera, con la silla de ruedas. Lo suben por la puerta de servicio. Se puede ver fuera del lugar a grandes músicos y cantautores: Leticia Servín, los músicos de Ollín Bantú, Radio Blues, Yellow Dog, entre otros. El Multiforo Alicia está a reventar. Se siente la sed de blues y de cerveza de la gente que fue a ver a una leyenda que aún vive, y que la cuenta. Después de algunos silbidos, sube Cruz en al escenario: “Buenas noches amigos, reciban un saludo desde el desierto de Real de Catorce, el lugar de la sombra y la luz.”

Después de un conteo comienzan con “Mis amigos muertos”, una magnífica canción del tercer disco de Real de Catorce “Patios de Cristal” (1990) En un brevísimo intermedio José dio a su banda una noticia: “Después de hoy dejaremos de llamarnos ‘José Cruz y sus Jícuris’ y nos llamaremos de ahora en adelante ‘Real de Catorce, José Cruz y sus Jícuris’” y el público estalló eufóricamente. Tocan canciones como “El lobo”, “La venenosa”, “No me dejes por favor”, “El Gárgaras”, “La llamé mi amante”, “Lila”, “El suicidio del cisne”, “Malo”, “Bebimos y vivimos”, y la fabulosa interpretación de María José de “La Medicina” donde luce su voz y hace patente la musicalidad que le heredó su padre.

Momentos emotivos se vivieron esa noche. La solidaridad del público es notoria pues, cuando Cruz olvidaba la letra (que es uno de los efectos de la enfermedad que padece, la esclerosis múltiple), la banda cantaba más fuerte haciéndole saber “no hay pedo maestro, acá estamos nosotros”. Otro fue cuando Cruz y sus Jícuris (nombre sagrado del peyote en dialecto huichol) interpretaron el tema “La Bacha” que, en la letra reza “¡Pues de una vez cabrones, brindemos todos, ya se acabó el desmadre, prendan las velas!” y toda la gente levantó su cerveza y, con el corazón queriendo salirse por la garganta, cantó al unísono con Cruz de manera efusiva.

La última canción fue “El blues del atajo”. Terminando el concierto, Cruz fue llevado en su silla de ruedas hasta el camerino. Por donde pasaba, la gente daba sus muestras de apoyo, cartas, regalos, y palabras de ánimo, entre otros gestos de amor y agradecimiento.

Blues y luz

El concierto terminó a eso de la 1 de la mañana, con un Cruz bastante fatigado (dos veces, durante el concierto, solicitó que se le administrara oxigeno) pero contento. Después de desmontar el escenario, los que quedábamos, fumamos. Yo me subí al Honda gris para dirigirme a la colonia Educación en Coyoacán, para encargarnos que esa leyenda del blues llegara con bien a casa, donde sus tantas amantes le esperaban desnudas. (Reportó en exclusiva para éste semanario: David Márquez, líder y vocalista de la banda de blues Zona de Ruido)

Socorro Reyes

2011-08-06T00:01:00.000-07:00

♠ La intertextualidad del arte

Dentro de las numerosas actividades que presentó el pasado 5to Picofest en Nanchital, hace ya un par de semanas, se incluyó una exposición de pintura de la artista Socorro Reyes. Cuadros al óleo, imágenes en transformación, colores mezclados con rostros, formas y deformaciones, fueron parte de “La metamorfosis en la obra de arte”, de la cual se incluyen varias imágenes. Próximamente realizará otra exhibición, lamentablemente, no en estos lares.

Socorro Reyes Ramírez (Nanchital, Veracruz, 27 de junio 1983) es una joven promesa del arte que ya lleva tiempo en el camino. Recién egresada de la Licenciatura en Artes Visuales por la Universidad Veracruzana, en Xalapa, dedica su tiempo completo a la producción de arte, principalmente pintura. Sus inicios en el mundo de las artes son puramente intuitivos, derivado de ello es que se enrola en la carrera a fin de darle formalidad a ese talento, una plataforma básica. De ésta manera es en 2005 que realiza su primera exposición de pinturas en su ciudad natal.

En los siguientes años, del 2006 al 2010, realiza diversas exposiciones individuales y colectivas, logrando llamar la atención en 2009, cuando realizó la instalación “Los simbolismos de los narcotraficantes”, montada en el parque Benito Juárez y en la FILU en la capital jarocha. Con ello demuestra su versatilidad para utilizar diferentes canales de comunicación, expresiones de su valioso talento como artista. Su trabajo es el reflejo de una búsqueda por crear un hilo conductor entre el pasado y las temáticas actuales.

Con arte cien por ciento figurativo, con manejo de figuras humanas, combinando texturas, puntos y líneas, Socorro Reyes nos abre una ventana a su mundo propio, lleno de creatividad y feminismo. Una experiencia que la artista nos ha querido dejar para la reflexión. En unas semanas, en el Jardín de las Esculturas de Xalapa, estará presentando más de su obra. La cual, esperemos, esté pronto de regreso a ésta su tierra que tanto necesita de su semilla. (Mario Sepülveda)

Daniela Herrerías

2011-07-30T13:24:00.000-07:00

♠ El regreso a los orígenes

Los momentos no regresan, la gente y la vida tampoco. La fotógrafa Daniela Herrerías, originaria de éste puerto, presentó la exposición “Rewind” en el pasado 5to Festival Cultural “Picofest” en Nanchital. Breve estampa colorida, la autora rememora ciertos espacios del tiempo a través de una fotografía cargada de anécdotas y vivencias, resumidas en cortas frases de reflexión, agradecimiento, remembranza o amargura sobre la gente y lo que hay detrás. Con motivo de esto y otras cosas, es que se llevó a cabo una breve charla vía telefónica hasta el DeFectuoso, donde ella reside actualmente.

¿Qué es “Rewind”? “Son fotografías hechas en diferentes momentos de mi vida y de quienes ahí se encuentran. Rewind muestra lo que se ha hecho atrás, y para mí fue eso, lo que yo ya he hecho. De alguna forma, muestra para mí este momento en "pausa" entre lo que ya hice, lo que en este momento soy capaz de hacer y lo que quisiera hacer”, responde Herrerías.

¿Por qué? “Me siento estancada y ‘Rewind’ fue el recuerdo de lo que ya hice y la muestra de que tengo que seguir adelante; pero ese mismo proceso creativo me empujó a cerrar ese ciclo y comenzar otro. Tanto gráfica como personalmente.”

¿Hacia dónde, hacia qué? Herrerías comenta: “De aquel momento de ‘Nudity’ hasta ‘Ídolo’, por supuesto que he avanzado. Técnicamente, de forma creativa, creo que no tanto. Mantengo la idea fiel de que si no se ve igual que en la realidad no tiene caso tomarlo. Las fotos son un acto egoísta y uno como fotógrafo, lejos de aprender cómo mejorar una técnica, tiene que aprender a darle a la gente lo que ‘pide’ cuando quiere ver una fotografía de un determinado evento. La fotografía ha sido un proceso de aprendizaje que va pegado a mi experiencia de vida y que en algún momento, espero, sea acompañado de letras, no solamente de imagen.”

¿Te falta aprender? “Me falta salir a la calle, tomar más rostros, más plantas, más colores. Me hace falta recorrer partes del mundo y hacer testigo a mi trabajo de eso. Técnicamente, me hace falta dirigirme más hacia el diseño de una fotografía, no solo la edición. Me hace falta seguir estudiando y aprendiendo más de todos los aspectos de la vida porque irremediablemente es lo único que puede irle dando sentido al trabajo fotográfico. Para que el fotógrafo sea tiene que aprender a ser humano, en todos los aspectos.”

¿Qué tal el “Picofest? “Me da gusto participar en el esfuerzo que está haciendo la comunidad nanchiteca para mantener la actividad cultural a través de estos espacios, que involucran a casi todas las disciplinas con la esperanza de crear esa ‘cultura de exigencia’ hacia los creadores y la gente que hace posible que existan los festivales”, concluye Daniela Herrerías (Entrevistó: Mario Sepülveda)

Flickr: www.flickr.com/tetecalvache

Políticamente incorrectos

2011-07-23T00:01:00.000-07:00

Hal Foster, destacado analista de la cultura y del arte actual escribió hace ya más de una década un artículo que siempre me ha causado gran curiosidad. El título versa así: “Contra el pluralismo”. Cuando lo leí, me pareció una aproximación interesante al problema en que la sociedad actual se encuentra ante el exceso de oferta indiscriminada de información y en particular de objetos artísticos, lo que trae como consecuencia que el público se pierda en una nebulosa de producciones –muchas con muy poco sentido de existir- y sin un criterio que permita evaluarlas a todas.

Ahora que lo he vuelto a leer, no sólo me parece atractivo sino absolutamente certero considerando las circunstancias culturales en las que vivimos hoy en día. Básicamente Hal Foster rechaza la situación permisiva en la que el arte se encuentra y que se ejemplifica en frases políticamente correctas como “todo vale”, “todo depende”, o “hay para todos los gustos”, las cuales sirven para evitar la confrontación y el comentario -directo pero incómodo- descalificador.

Estas frases que impregnan el ambiente me han hecho cuestionarme en repetidas ocasiones si los parámetros que uso para hacer una crítica acerca de una obra de arte son demasiado excluyentes o cerrados. Y cuando trato de ampliarlos, de volverme más plural, caigo en un vacío de parámetros, como si colgara del interior de un pozo y al resbalarme del borde que me sostenía, me ahogara en un desesperante “todo vale”.

Es en momentos como este, cuando me doy cuenta, que ser excesivamente tolerante es políticamente correcto pero no siempre benéfico para los sanos espacios de disenso. Y esto no significa que yo, y mucho menos Hal Foster, seamos retrógradas o necios, lo que creo que él propone es que, como público, necesitamos generar una escala de valores personal y actualizada, que nos obligue a tomar una postura crítica y fundamentada ante lo que vemos, pensamos y consumimos culturalmente hablando, partiendo claro está, de que el arte no solamente es un ornato, una cosa chistosa o bonita, sino que cumple diversas funciones dentro del núcleo social.

Decir “me gusta” o “no me gusta” a partir solamente del contacto visual no es válido. Ser críticos implica saber discernir entre lo que nos agrada y lo que no, y este gusto tiene que ser procurado constantemente, alimentándolo con información que nos permita discriminar lo que nos parece enriquecedor, sensible e intelectualmente. La cuestión es prepararnos con los argumentos necesarios para adoptar una postura de aceptación o rechazo ante algo. No todo el arte reconocido como bueno, aceptado por instancias gubernamentales, o de costosas producciones nos tiene que gustar, pues no todo se relaciona con nosotros, lo importante es que sepamos por qué.

Mi intención es proponer un cambio en la manera en que apreciamos las producciones artísticas, dejar de ser permisivos ante el exceso de producciones amorfas, infladas publicitariamente, comerciales, anacrónicas, trilladas o pseudointelectuales. Generar un criterio que nos permita encontrar cosas que nos gusten, nos motiven y contribuyan a generar ideas. Urge público exigente que niegue la actitud pasiva que se nos ha generado por la pereza de ser un ente crítico. El objetivo es invitar también al público a convertirse en jurado (¡se vale!), a ser crítico, dejar de pensar que porque alguien se autoproclame artista está en su derecho de aventarnos a la cara sus ocurrencias (y encima de todo, vendérnoslas). (Alma Cardoso)

Encuentro del Mar 2011

2011-07-16T00:01:00.000-07:00

♠ Opinan más artistas locales

“No tengo idea qué fue el Encuentro del Mar. No fui invitado como artista local. No vi, en ningún momento, convocatoria alguna para artistas. Fuimos a tratar de proponer algo y nunca sucedió ese algo. Me sigue pareciendo como todas las cosas que hacen los gobiernos actuales: una mamada. Poco informados, poco propositivos, poco incluyentes. Gastan $700,000 pesos en traer a Armando Manzanero pero no pueden gastarse $30,000 en patrocinar a 20 artistas locales. Ni idea de qué fue. No me paré por ahí por lo mismo. Qué bueno que lo rescataron, bienvenido que haya eventos culturales, pero están jugando a lo mismo con lo que hacen la Feria o el Carnaval, el mismo parámetro, el mismo molde: mucha publicidad, poca calidad.” Tupac Emiliano, Sr. Tlacuache, artista plástico.

“Por un lado qué bueno que se hagan éste tipo de eventos porque le dan un poco de importancia a la cultura, la acercan a la ciudad de Coatzacoalcos. Cosas que vi que pudieran mejorarse: leí que había una Feria del Libro y sólo encontré dos o tres puestos, esperaba algo más grande, quizás debieron invitar librerías de ésta ciudad; deberían invitar más artistas de aquí, más fotógrafos, más pintores: enriquecerlo más; hacerlo más público, porque tampoco vi mucha publicidad, el programa lo tuve que buscar en el Diario; quizás faltó que hubiera gente que te recibiera con un panfleto y te explicara qué es el Encuentro del Mar, como una guía, porque tenías que andar preguntando dónde es o cómo es; les falta un poco más de organización y ponerle más corazón. Hay que hacerlo más rico, invitar a gente que tenga ganas de exhibir, de aportar, de compartir.” Álvaro Balderas, fotógrafo.

“Aunque éste año no pude ir a los eventos con más tiempo, lo poco que pude apreciar y escuchar comentarios de otras personas, es que este año se lucieron al traer más que sólo gastronomía, libros, exposiciones, etc. Hubo más entretenimiento visual, como la presentación de cortometrajes, obras de teatro tanto regionales como nacionales (‘La llorona’). También tener personalidades como Carmen Salinas y Andrés Bustamante en el Encuentro del Mar, me hace pensar que sí le echaron ganas a este evento. Pero les quedó como anillo al dedo en la clausura, la presencia de Armando Manzanero y Francisco Céspedes, ya que son artistas que llevan ya una carrera bien recorrida. Espero que el próximo sea igual o mejor y que no solo porque haya sido éste año el centenario de Coatzacoalcos, no quiere decir el próximo sea igual que otros años. Y que siga promoviendo más la cultura en nuestra ciudad, porque mucha falta hace.” Alejandra Fausto, diseñadora gráfica y fotógrafa.

“Las enmoladas, el popo, el coro, los bailarines, los tamales, el danzón, los tejidos, el torito, los cortometrajes, las tortas, los libros de magia, el ‘Güiri-Güiri’, el bebé Musashi, la ‘Espada de los dos cielos’, el café, ‘Chachita’ y mucho más en un río y mar de colores, sabores, olores y mil amores. Por nuestra parte, dentro del multiforo, un escenario de 4 por 8 metros: 5 espadas desenvainadas y siete actores en escena, me hizo quedarme sin aliento y me engrandeció el corazón ver cómo la compañía Teatro Urbano estaba dispuesto a arriesgar la vida por lograr una excelente función. Fue un reto para mí y para el grupo presentar nuestro espectáculo teatral en un foro donde coexistían más de mil personas en un multiorganismo artístico-gastronómico-artesanal ‘a capella’ y con sólo tres luces. El guerrero invencible Musashi cobró vida a cargo de talento de Coatzacoalcos en ésta historia que ha causado revuelo. Pasé más de 15 años entrenándome fuera de ésta, mi ciudad natal, y de verdad me enorgullece el alma ver cómo cada vez se convierte en una ciudad que abre día con día sus puertas a talentos artísticos locales como nacionales. Gracias a todas aquellas personas que creen y saben que en el arte la humanidad da paso a una sanidad y elocuencia física, mental y espiritual, y les ruego que no desistan sus esfuerzos en llevar a nuestra ciudad a un desarrollo multicultural, propositivo y próspero. Porque el arte cambia vidas. Enviamos un cordial saludo a Salvador Hernández Castro, el Sr. Tlacuache, Gonzalo Salinas y todos los demás talentos locales que no estoy mencionando que luchamos día a día por un Coatzacoalcos más culto y metropolita.” David Aguirre Pavón, director y actor de teatro.

“El Encuentro del Mar, en opinión mía, fue un evento con poca organización. No así los buenos artistas locales y de los alrededores que fueron invitados: un aplauso para ellos, quienes rescataron lo mal visto del programa por parte de los ‘organizadores’ que, a mi parecer, fue bastante ridículo. No mencionaré cuales, fue obvio a la opinión de la ciudad. Es muy bueno que se haga el esfuerzo para promover la cultura literaria, música, cine en la ciudad, apoyo a los talentos locales y los de la región, pero espero que los próximos eventos se logren con una mayor cohesión organizativa.” Adrián Rodríguez Tonche, poeta.

Encuentro del Mar 2011

2011-07-09T00:01:00.000-07:00

♠ Opinan los artistas locales

“Me parece que el programa del Encuentro del Mar no es nada innovador. No presenta nada nuevo, ni de vanguardia, ni en tendencia y lo que trajeron lo podemos ver en la T.V. nacional, ni siquiera necesitamos cable. Es decir, con el respeto que los organizadores y los artistas involucrados me merecen, nos dieron más de lo mismo y eso no se vale, teniendo tanto talento como tenemos ya no se diga en México sino ‘nomás’ en Veracruz podían invertir lo mismo y diseñar un programa más rico y actualizado. Que se retome el proyecto me parece una excelente decisión, sólo que debe replantearse e innovarse para que sea más adecuado a las necesidades sociales y culturales actuales de la región. Sería genial por ejemplo que, además de invitar a artistas de diferentes disciplinas y no sólo a los que ya conocemos, se plantearan como reto diseñar un evento socialmente responsable. Sería maravilloso que además del deleite de los sentidos, el evento generara una transformación positiva para la sociedad o la ecología de la zona y eso, de verdad, es fácil de lograr. Si no, que me inviten y yo les ayudo.” Hildegart Oloarte, artista plástica. Contacto: artist@hildegart.com.

“Comparado con otros años, creo que aún hay cosas que se pueden mejorar de éste Encuentro del Mar. Hicieron falta más actividades de cine. A mí me hubiera gustado otro concurso, porque creo que estos motivan mucho más que las muestras que ahora se organizaron, sobre todo para la creación del cine en la región. Esperemos que el año que viene sí se pueda realizar un concurso, como en su momento lo fue el Rally Malayerba y los concursos de cortometrajes regionales, para que realmente éste evento sirva para seguir proyectando la cinematografía en la región. La gente del ámbito cultural se debe involucrar más, porque está bien que el Ayuntamiento lo organice pero necesita tener la intervención de gente que hace cultura porque al final ‘zapatero a tus zapatos’. Los que hacemos cultura sabemos qué necesidades tenemos y qué es lo que queremos que la gente vea. Haría falta ser más incluyentes a ese sector, porque el Encuentro del Mar no es para el pueblo como el Carnaval o la Feria, éste evento es cultural.” Johnny Olán, cineasta.

“Es la primera vez que asisto al Encuentro del Mar y tuve la oportunidad de participar. No podría decir si es mejor o no que en otras ocasiones, y al tener que estar todo el día en las lecturas de poemas que se organizaron, apenas y pude echar una mirada por ahí. Me agrada que se hagan este tipo de eventos, no se puede criticar que sí se retomó un buen proyecto, lo criticable es que en la lectura la invitación la hicieron sólo para conocidos o amigos de los organizadores, no se abre el espacio para el público en general, lo cual se nota en la asistencia.” Jesús Gallegos, poeta.

“Pensé que no se iba a hacer. Como se hizo al vapor pienso que hubo muchos detalles en la organización, pero a final de cuentas creo que cumple su cometido de darnos espacio a nosotros los artistas en cuestión de cine para proyectar nuestros trabajos, para darnos a conocer, para vernos con otros directores. Estos espacios nos alientan, porque si para el otro año hay otra oportunidad de mostrar cine en el Encuentro del Mar entonces sí me motivan a sacar otro cortometraje y no traer el mismo. Este evento es acertado hasta cierto punto, pero necesita organización, un comité que se dedique específicamente a organizar, si no el año completo, sí seis meses antes.” Luz Solís, cineasta.

“Excelente que el Encuentro del Mar se haya hecho otra vez. Aunque me gustaba mucho más cuando la feria del libro era más grande, creo al parecer, tuvieron problemas de costos y por eso se canceló. La inclusión de bailes folklóricos, comida, artesanías, museo de la Marina, lo de cine, las conferencias, las salas de lectura y museo de la historia de las banderas: excelente. Aunque modesto, todo muy bien. Ojalá y se siga invirtiendo en el arte y la cultura. Me parece que falto una exhibición de pintura local. Ahora, la “Chata” Tubilla no es la única fotógrafa de Coatzacoalcos. No es siquiera la mejor retratista. En mi opinión, hay cuando menos una docena de fotógrafos con mejor gusto, creatividad y técnica. Por otro lado, ¿acaso la única fotografía en Coatza es el retrato?, ¿y el paisaje, eventos, catástrofes naturales, arquitectura, gente, calles o fotografía aérea no existen? Parece ser que sí había un proyecto de fotografías más general, pero se canceló. Los flickeros hubiéramos hecho algo mucho mejor que lo que se presentó, pero no nos invitaron.” Carlos Rodríguez, fotógrafo.

“La muestra de cortometrajes, en el Encuentro del Mar, estuvo bien. Nos falta un poco más de variedad en cuanto al material, ya que lo exhibido es un poco viejo. Para ser los cien años de Coatzacoalcos, lo sentí un poco desangelado y hubo desinterés de la gente. Para las fechas en las que estamos y como están las cosas, yo creo que se rescata algo. Me hubiera gustado que hubiera más actividades, más foros multiculturales, más regionalismo, talleres de son jarocho, recordemos que es el Encuentro del Mar y había que hacer algo en la playa. Es muy loable el esfuerzo que está haciendo ésta administración, ya que estamos otra vez retomando el rollo y se está aprendiendo. Sólo me queda felicitarlos y que le sigan echando ganas.” José Luís Ochoa, cineasta.